ОСЕННИЕ ТОРГИ 2021: 21 изобретение, изменившее отечественное искусство

 

20 ноября в 15:00 VLADEY проведет традиционные ОСЕННИЕ ТОРГИ 2021. Представленные на аукционе художники стали визионерами своего времени: тогда их идеи поражали новаторством, а сейчас они продолжают влиять на отечественную художественную сцену. В новом материале VLADEY — 21 изобретение, без которого уже невозможно представить российское современное искусство. 

1. Михаил Шварцман (1926–1997) и концепция «иератур»

В 1960-х годах Михаил Шварцман изобретает всеохватывающую универсальную философскую систему «иератизма» (от греч. «ἱερός» (хиерос) – священный). Ключевой идеей «иератур» стало сопоставление «языческого» древнегреческого искусства, византийского и средневекового христианства, Ренессанса — всего «прошлого» и архетипического. Создавать такое искусство в атеистическом Советском Союзе было смелым шагом. «В иературе архитектонично спрессован мистический опыт человека» — писал художник о своем подходе. Все эти категории отражаются и в представленной «Иературе» 1970 года — отголоски христианской иконографии, ренессансная цветовая палитра и авангардистская плоскостная композиция свидетельствуют о вселенском охвате мышления художника.

Лот 18. Михаил Шварцман. Иература, 1970

2. Оскар Рабин (1928–2018) и барачная эстетика 

Один из главных нонконформистов второй половины ХХ века, создатель «Лианозовской группы» и организатор «Бульдозерной выставки», Оскар Рабин изобрел свой визуальный язык, чтобы суметь передать атмосферу советских тяжелых послевоенных годов. Больше десяти лет художник прожил в доме-бараке, работал грузчиком вместе с заключенными по уголовным делам, а затем отразил в своих работах бытовые символы этой жизни и прожитой эпохи. Налицо все приметы современности художника и в представленном «Мосгазе» 1966 года — в графичных линиях угадываются искаженные силуэты рыбы, примуса, чайника и плиты, которые вырисовываются на «голом» фоне холодных стен.

Лот 53. Оскар Рабин. Мoсгаз, 1966

3. Юрий Злотников (1930–2016) и сигнальная система

Интерес к психологии, математике, музыке и космосу привел Юрия Злотникова к созданию серии работ «Сигнальная система». Злотников один из первых изобрел не столько художественный, сколько философско-семантический подход к искусству: мазки, штрихи и линии в работах не спонтанны и не случайны, они существуют в виде структурированного языка, каждый на своем месте, по определенной задумке. Как и все художники-нонконформисты, Юрий Злотников  испытал страшное разочарование в конце «оттепели» и к середине 1960-х практически оставил беспредметное искусство, чтобы потом триумфально вернуться к абстракции, но путем ее переосмысления в широком, общемировом культурном прочтении. В названиях работ у него появляются отсылки к мифологии и библейским сюжетам, как, например, в представленной работе — «Люди, пространство, ритмы». Художник создает композицию, основываясь на выборе цвета и размещении его в пространстве холста. Таким образом Злотников задает ритмическую музыкальность работы, благодаря чему едва различимые силуэты людей в центре продолжают движение в ритм звучащего цвета.

Лот 65. Юрий Злотников. Из серии «Люди, пространство, ритмы», конец 1980-x - начало 1990-х

4. Михаил Рогинский (1931–2004) и «предметная живопись»   

Михаил Рогинский всегда стремился написать советскую жизнь такой, какая она есть, — без прикрас, манифестов и концепций, уделяя особое внимание тому специфически-советскому и коллективному, что в ней было. Так художник пришел к живописи «предмета» — настоящему антропологическому исследованию. Особую роль в ней сыграл долгий период жизни в коммунальной квартире и опыт создания предметов-декораций для театра. Живописный метод Рогинского складывается из особого образного ряда — неизменных окон и стен, прекрасных в своей пустоте, выразительных в своей ритмичности и мрачности, как на представленной работе.

Лот 68. Михаил Рогинский. Без названия, 1999-2000

5. Илья Кабаков (р.1933) и концептуальный альбом 

В рамках московского концептуализма было сделано множество открытий и изобретений, вошедших в историю современного искусства. Одно из ключевых среди них — концептуальные альбомы Ильи Кабакова, впервые появившиеся в начале 1970-х годов. Через них раскрывалась экзистенциальная история десяти персонажей-жителей огромной советской коммунальной квартиры, каждый из них обладал какой-нибудь необычной фобией или манией, и все они по-своему старались найти свое место в неуютном мире. Однако и перед сериями альбомов, и после них, художник создавал отдельные графические работы, какой и является «Свободный автобус». Работа обладает теми же основными качествами альбомного рисунка — белые пустоты, контурное плоскостное изображение объектов, сочетание рисунка с текстом, повторяющийся мотив, и, конечно же, глубокая ирония на официальную и бытовую культуру.

Лот 13. Илья Кабаков. Свободный автобус, 2012

6. Виктор Пивоваров (р. 1935) и «сакрализаторы» 

Еще один концептуалист и автор альбомов — Виктор Пивоваров. Пивоваров и Кабаков использовали множество схожих приемов — пародирование устройства советского информа­ционного стенда и его сухой язык, разветвленную систему вымышленных персонажей, схожие абсурдистские приемы. В 1979 году Пивоваров создал альбом, в основу которого легла придуманная им идея «сакрализаторов» — условных приспособлений защиты человека от окружающей среды, которые различными способами крепятся на носу героя. Ими могли стать самые неожиданные предметы быта — ложка, вешалка, линейка-треугольник или, например, рулон туалетной бумаги. Впоследствии эта идея эстраполировалась и на другие работы художника. В представленном коллаже «Драгоценные нокадры» есть прямая отсылка к альбому «Сакрализаторы» — круглая емкость на носу персонажа акварельного рисунка в левой части работы.

Лот 29. Виктор Пивоваров. Драгоценные нокадры, 1991

7. Олег Целков (1934–2021) и «морды»

Главное изобретение Олега Целкова пришло к нему в 1960 году. Тогда, после периода поиска собственного стиля, он открыл метод-манеру, которая останется с ним навсегда, — морду. В концепции художника этот персонаж олицетворяет звериную сущность, которая таится в каждом человеке. Этот метод-манера затем был экстраполирован на изображение предметов и пейзажей: художник ограничивается очень узкой гаммой чрезвычайно насыщенных, как бы электрических цветов. Еще одной отличительной чертой стиля является использование малого количества дополнительных предметов, передача действия или обстановки при помощи всего двух-трех дополнительных объектов. Таким образом, представленный «Портрет» 1964 года является примером раннего, но уже окончательно сформировавшегося стиля Целкова.

Лот 19. Олег Целков. Портрет, 1964

8. Эдуард Штейнберг (1937–2012) и геометрическая абстракция

К изобретению своего художественного языка Эдуард Штейнберг шел несколько лет — формирование основных его элементов заметно в представленной на Осенних торгах работе «Композиция с крестом» 1970 года. Здесь появляется частый фигурант последующих полотен художника — треугольник, напоминающий прописную букву «А». Отталкиваясь от итальянской метафизической живописи, Штейнберг через геометрическую абстракцию разрабатывает новый принцип отношения к искусству: конструктивизму и супрематизму художник противопоставляет сам процесс созерцания, способность отказаться от оценочного суждения и эстетической позиции, а вместо этого погрузиться в искусство. Творческие принципы Эдуарда Штейнберга в недавнем прошлом вновь обрели актуальность и востребованность, когда на рубеже миллениума в России зарождалась новая волна беспредметного искусства.

Лот 16. Эдуард Штейнберг. Композиция с крестом, 1970

9. Пётр Беленок (1938–1991) и «панический реализм»

В 1960-е года Пётр Беленок заканчивает художественный институт по специальности «скульптор». Тогда же он отходит от изученного медиума и начинает разрабатывать собственные фотореалистические стратегии. Так появляется «панический реализм» — авторская художественная система Беленка. Предвосхищая появление западного гиперреализма, художник становится настоящим визионером в своем деле и запечатляет стремительно бегущие фигуры людей, вокруг которых кружат фантастические вихри — предвестники надвигающийся катастрофы или же чего-то еще, нечто нового и непознанного, как на представленной работе «Припять» 1987 года.

Лот 14. Пётр Беленок. Припять, 1987

10. Франциско Инфанте-Арана (р. 1943) и «Артефакт» 

Занимаясь кинетическим искусством в начале 70-х годов, Франциско Инфанте-Арана задумывается о совмещении геометрических форм с природными. Ближе к 1976 году художник находит тот самый синтез: «Я как-то внезапно открыл для себя неизъяснимую глубину слова “артефакт”» — говорит он. Для Инфанте артефакт — вещь, созданная человеком, а значит автономная по отношению к природе. Это искусственный объект, но с его помощью художник может дополнять естественную среду. В представленной на торгах работе «Артефакты» из серии «De la Napoule» 1994 года геометрические объекты вторгаются в идиллический пейзаж курортного городка на Лазурном берегу Манделье-ла-Напуль. Располагая артефакты в природе, Инфанте получает возможность работать с пространством по-новому: теперь среди его инструментов не только картонные фигуры и зеркала, но и элементы ландшафта, солнечный свет, вода и даже воздух.

Лот 26. Франциско Инфанте-Арана. Артефакты из серии «De la Napoule», 1994

11. Игорь Макаревич (р. 1943) и художественные мистификации

Тема художественной мистификации — одна из ключевых не только для творчества Игоря Макаревича, но и для всего московского концептуализма. Макаревич не просто изобретает alter ego, но еще и окружает его различными «уликами», подтверждающими существование выдуманного героя, будь то личный дневник, графичные зарисовки или черно-белая фотография. Основная задача разработанной Макаревичем мистификации — вскрыть абсурд советской действительности, увидеть за ней содержание более глубокое и осмысленное. Эту же идею выражает и представленный на торгах холст «СССР оплот мира» 1989 года: на рельефной поверхности с помощью техники энкаустики вырисовывается фраза, взятая со знаменитой стеллы, установленной в 70-е года в Москве.

Лот 33. Игорь Макаревич. СССР оплот мира, 1989

12. Леонид Пурыгин (1951–1995) и «русское наивное босхианство»

«Гений из Нары», как сам себя определял Леонид Пурыгин, представляет редкий пример отечественного «наивного» художника, добившегося широкого признания при жизни и оказавшего значительное влияние, в том числе, и на творчество «профессионалов». В отличие от большинства мастеров ар-брют, Пурыгин развивался, соприкасаясь с миром «серьезного» искусства: например, с кругом нонконформистских художников, скульпторов и критиков — Бориса Орлова, Ростислава Лебедева и Дмитрия Пригова. Знакомство с произведениями художника приводит к предположению о его хорошем знании как минимум древнерусской иконописи и искусства Северного Возрождения, отчего его творчество определяется как «русское наивное босхианство». Композиция и колорит работы 1994 года отсылает к произведению Иеронима Босха «Сад земных наслаждений»: как и у нидерландского художника, яркий мир Пурыгина расцвечен радужными красками и населен множеством гротескных существ.

Слева: Иероним Босх. Сад земных наслаждений (Фрагмент)‎, 1480-1490. Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания
Справа: Лот 25. Леонид Пурыгин. Без названия, 1994

13. Александр Бродский (р. 1955) и «бумажная архитектура»

«Бумажная архитектура» возникает в России как концептуальное направление в 80-е года. Тогда молодые архитекторы, среди которых был и Александр Бродский, участвовали в западных конкурсах, получали призы, однако их проекты оставались нереализованными — сооружения существовали лишь в форме чертежей на ватманах, буквально были «бумажными». Бродский воспользовался ситуацией как возможностью освободиться от рамок и начал создавать утопичные постройки, способные существовать лишь в форме художественного произведения. Вдохновляясь античностью, автор исследовал темы памяти и забвения. То же происходит и в представленной работе «Пишущая машинка» 2018 года: привычный предмет лепится из излюбленного материала Бродского — необоженной глины. Подчеркивая, таким образом, способность объекта моментально превратиться в пыль, художник говорит о хрупкости памяти, возвращении в состояние небытия.

Лот 1. Александр Бродский. Пишущая машинка, 2018

14. Петербургские объединения: Новые художники (1982) и Север-7 (2013)

В 1982 году Тимур Новиков, Иван Сотников, Евгений Козлов и Олег Котельников объединяются в группу «Новые художники». Позднее к ней примыкают Сергей Бугаев-Африка, Андрей Крисанов и Инал Савченков, работы которых также представлены на торгах. В основе искусства группы лежал протест против академизма, интерес ко всем техникам и материалам, а в их творчестве заметно влияние нью-вейва 1980-х и эстетики комиксов. Дух «новых» наиболее точно передает представленный свиток Олега Котельникова «Волос-Америки» 1988 года: герои работы изображены экспрессивно и схематично, погружены в красочный калейдоскоп из штрихов, взрывов и букв. Образы передают атмосферу абсолютной свободы эпохи перестройки. Своей работой Котельников заявляет, что настало время молодых и смелых.

Лот 42. Олег Котельников. Волос-Америки, 1988

В XXI веке традиции молодого и дерзкого ленинградского андеграунда продолжает петербургское объединение «Север-7». На Осенних торгах группа представлена работами Александра и Лизы Цикаришвили, Нестора Энгельке и Леонида Цхэ. Благодаря этим именам Петербург вновь становится центром новаторских практик и экспериментов: художники работают в формах перформативного театра, живой скульптуры, хэппенинга и сайт-специфичных проектов. Их многослойные объекты отсылают к мировому искусству, культурным архетипам и выделяются особой узнаваемой стилистикой. Оригинальные техники, характерные для молодого петербургского искусства, демонстрирует работа «Рабы твоей короны» Александра и Лизы Цикаришвили: земля, элементы одежды и прочие объекты составляют единую композицию прямо на холсте, словно иронизируя над более традиционными медиумами.

Лот 48. Александр Цикаришвили, Лиза Цикаришвили. Рабы твоей короны, 2021

15. Тимур Новиков (1958–2002) и движение неоакадемизма

В начале 1990-х годов Тимур Новиков основывает «Новую академию изящных искусств». Ее концептуальным фундаментом стал стиль неоакадемизма, изобретенный художником в 1989 году. Это был манифестированный отказ от модернизма и движение к возрождению и переосмыслению классического искусства. Главный принцип неоакадемизма — стремление к гармонической красоте, которое строилось согласно разработанным Тимуром Новиковым теориям «перекомпозиции» и «знаковой перспективы». «Добившись естественности построения знаков, то есть мелких знаков на большой поверхности, я пришел к тому, что сама по себе равновесная композиция позволяет спокойно перемещаться этой букашке — знаку — по ней, как мухе, не нарушая общего равновесия. Таким образом, композиция стала для меня свободной», — в 1993 году писал о своей теории художник. Принципы неоакадемизма предвосхищает работа «Фонтанка» 1983 года — в ней уже заметно зарождение метода центрированния композиции и переосмысление перспективы. Тимур Новиков изображает значимые строения «непарадного Петербурга» с вымышленного ракурса — увидеть их возможно лишь воспарив над рекой. Необычная оптика, а прежде всего, сам выбор запечатленных мест прямо указывают на преемственность Новикова традиции ленинградской живописи. 

Лот 39. Тимур Новиков. Фонтанка, 1983

16. Вадим Захаров (р. 1959) и образ архивариуса

Художник Вадим Захаров — свидетель и участник ключевых событий, вошедших в историю современного искусства, среди которых работа галереи APTART, сквот в Фурманном переулке и московский аукцион Sotheby’s 1988 года. Все это дало толчок для его художественных рефлексий на темы архива, автономии искусства, художника как институции, а позднее и для деятельности архивариуса. Вадим Захаров один из первых начал собирать архив неофициальной сцены советского искусства. С конца 1970-х годов он по крупицам фиксировал главные события, имена и произведения, благодаря чему в 2005 году вышла его книга «Концептуализм», ставшая одной из самых значительных и увлекательных энциклопедий-путеводителей по искусству московских концептуалистов. Представленная на аукционе работа Вадима Захарова 1985 года — пример влияния архивной и исследовательской деятельности на его искусство. Изображенный на представленной работе 1985 года серый объект являет собой словно оборотную сторону фантастических существ, порожденных воображением, становится видом монстра сзади. С помощью такой композиции Захаров иронизировал над стремлением увидеть в живописи объемную реальность. Однако даже со скрытым лицом-личиной центральный образ задает внутреннее пространство, тот ментальный мир, который обналичивается в феномене произведений искусства, в данном случае — живописных полотен.

Лот 67. Вадим Захаров. Без названия, 1985

17. Лаврентий Бруни (р. 1961) и живопись цветами

В 1990-х годах Лаврентий Бруни открывает для себя изображение цветов в качестве особого художественного языка. Это было изобретение, ставшее точкой соединения академической живописной школы и ее концептуальной перекодировки в соответствии с символизмом цветов. Художник работает как с романтическими образами, так и с собственными интерпретациями, которые рождаются из «большой эмоциональной работы», напоминающей сложение стихов из отдельных букв и слов. Представленный на торгах триптих «Триколор» 2000 года — образец «цветовой» живописи художника. Цветы, складывающиеся в флаг России, становятся своеобразными колористическими атомами, которые при этом не теряют способности к смягчению нарратива полотна. Возможно, яркий образ рожден воспоминанием об огромном триколоре, который несла толпа в памятные дни августа 1991 года — головы граждан новой страны превратились на холсте в бутоны цветов.

Лот 38. Лаврентий Бруни. Триколор (триптих), 2000

18. Валерий Кошляков (р. 1962) и образы «мифических империй» 

Живописный стиль Валерия Кошлякова начал формироваться еще во время учебы в Ростовском художественном училище имени М. Б. Грекова. Там он познакомился с Авдеем Тер-Оганьяном, который в тот момент также начинает пробовать себя на просторах современного искусства. В конце 1989 года художники перебрались в Москву, где работали в знаменитых сквотах — сначала на Раушской набережной, затем на Трехпрудном, а позднее обосновались на «Бауманской, 13». Именно здесь после нескольких лет творческих поисков Валерий Кошляков приходит к работе с образами «мифических империй». Художник создает монументальные архитектурные пейзажи, миксуя эстетику погибших в разное время империй. Для достижения особой ностальгии и меланхолии Валерий Кошляков сочетает величественную масштабность полотен с использованием хрупкого картона и коллажной техники. Так, например, в представленной на торгах работе «Гепард. Настенный музей» из серии «Афишная графика» 2005 года автор с помощью коллажирования тиражных картинок лишает образ Наполеона имперской мощи, превращая его в героя с плаката, висящего на одной из неизвестных уличных стен.

Лот 22. Валерий Кошляков. Гепард. Настенный музей из серии «Афишная графика», 2005

19. Анатолий Осмоловский (р. 1969) и московский акционизм 1990-х годов

В 1990-х годах художник Анатолий Осмоловский работал с критикой постмодернизма, противопоставляя ему энергию и прямоту авангардного высказывания. Подобный возврат к истокам современного искусства заложил концептуальные основы московского акционизма 1990-х и 2000-х годов. Анатолий Осмоловский стал лидером движения «Э.Т.И.» и группы «Нецезиудик» (совместно с Александром Бренером), а также одним из ключевых участников движения «Против всех». Акционизм оказал влияние и на не-перформативные проекты художника. Так в 2007 году Анатолий Осмоловский создает инсталляцию «Хлеба 1», фрагмент которой представлен на торгах. Работа была подготовлена специально для выставки «Верю!», куратором которой выступил другой известный московский акционист —  Олег Кулик. Инсталляция представляла собой инструмент исследования феномена случайности на основе пустот и пузырьков воздуха, возникающих во время выпекания хлеба. При этом в работе сохраняется свойственная акциям Осмоловского острота политического и социального высказывания на фоне возрождения религиозности в России в 2000-х годах, а также связь с авангардными экспериментами Малевича, работавшего в начале ХХ века с темой формы и структуры иконы.

Лот 9. Анатолий Осмоловский. Из серии «Хлеба», 2007

20. Владислав Мамышев-Монро (1969–2013) и российское квир-искусство

Изобретение российского квир-искусства началось с творческих экспериментов Владислава Мамышева-Монро, в которых он (пере)открывал образ американской киноактрисы Мэрилин Монро. Первые перевоплощения художник опробовал еще в армии (что помогло ему вернуться в Ленинград на полгода раньше положенного срока), а затем на выступлении группы «Поп-Механика», тем самым внеся практику работы с концепцией дрэг-квин в поле российского современного искусства. Образ Мэрилин был одним из ключевых лейтмотивов искусства Владика Монро. Она была его alter ego — многоликой фигурой с особой трагикой и романтикой. Это отражено и в представленной на торгах работе «Monroe Владик» 1990 года. В ней автор, представил икону Голливуда, лежащую обнаженной на смертном одре. Мэрилин, по словам Владислава Мамышева-Монро, была для него «религиозным персонажем, а не секс-символом» и источником его размышлений о жизни и бессмертии. Таинственный образ, окутанный мифом о смерти актрисы, станет пророческим и для самого художника, который при загадочных обстоятельствах уйдет из жизни в 2013 году.

Лот 41. Владислав Мамышев-Монро. Monroe Владик, 1990

21. Александр Виноградов (р. 1963), Владимир Дубоссарский (р. 1964) и гламурный китч

Дуэт изобретателей российского гламурного китча берет свое начало в середине 1990-х годов. Тогда Александр Виноградов и Владимир Дубоссарский остро почувствовали необходимость ухода от логоцентричного концептуализма к яркой визуальности, наполненной образами 2000-х с их эротическими фантазмами и почти барочной эстетикой. Беря за основу структуру произведений соцреализма, художники выстраивают в своих работах нарратив утопического русского Эдема, в котором смешиваются в веселом танце роскошные девушки, сказочная природа, политические и поп-культурные герои. Дуэт Александра Виноградова и Владимира Дубоссарского создает визуальность новой эпохи либеральных преобразований, наступивших после десятилетий скованности. Художники используют этот прием в качестве иронического осмысления социальной действительности, что отражено и в представленной на торгах работе «Я была игрушкой для богатых». Ее название вероятно отсылает к произведению «Я была игрушкой богача» 1947 года авторства одного из первых поп-артистов, Эдуардо Паолоцци. Александр Виноградов и Владимир Дубоссарский выстраивают критику современной им социальной действительности, перемещая все также преисполненный гламура образ прекрасной молодой девушки из райского сада в реальный мир панельных пятиэтажек и дворовых магазинчиков.

Слева: Эдуардо Луиджи Паолоцци. Я была игрушкой богача, 1947. Tate Modern, Лондон, Великобритания.
Справа: Лот 21. Александр Виноградов, Владимир Дубосарский. Я была игрушкой для богатых, 2009

---

ОСЕННИЕ ТОРГИ

Аукцион 20 ноября в 15:00

Смотреть каталог торгов