НОНКОНФОРМИЗМ: КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

Нонконформизм, неофициальное искусство, «второй авангард» — так называют искусство советских художников, создававших во второй половине ХХ века произведения, которые не вписывалась в генеральную культурную линию партии. Работая в условиях невозможности публичного экспонирования, отсутствия регионального арт-рынка и жесткой цензуры, отечественные авторы вопреки всем ограничениям разрабатывали новаторские концептуальные практики — самобытные и актуальные. Сегодня работы нонконформистов представлены не только в главных музеях нашей страны — Третьяковской галерее, Государственном Эрмитаже и Русском музее, но и за рубежом — в нью-йоркских MoMa и музее Гуггенхайма, Centre Pompidou в Париже, галерее Tate в Лондоне и других. Уже в эту субботу VLADEY проведет торги НОНКОНФОРМИЗМ, на которых представлены 28 авторов, навсегда изменившие историю отечественного искусства. В нашем новом материале вспоминаем основные события и движения эпохи неофициального искусства, в которых участвовали художники, чьи работы представлены на аукционе.

НЕофициальное

Говоря о советском нонконформизме, многие в первую очередь вспоминают 1950–1980-е годы. Но деление искусства на «официальное» и «неофициальное» началось еще задолго до этого. 15 апреля 1931 года был основан Союз художников СССР. Своей целью он ставил создание идейных произведений искусства, а также утверждение идеалов советского патриотизма в творчестве художников. В то время основным творческим методом, одобренным государством становится социалистический реализм, проявление которого можно заметить как в живописи и скульптуре, так в музыке и литературе. Вплоть до 1990-х годов он оставался единственным признанным советской властью художественным методом. Соцреалисты хвалебно изображали коммунистические ценности, народное единство и знаковые события прошлого. Характерными представителями этого художественного метода в живописи являлись: Александр Герасимов, Федор Шурпин и Татьяна Яблонская.

Американцы в СССР

24 июля 1959 года в Москве в Сокольниках открылась Американская национальная выставка. Впервые в СССР на ней были показаны работы современных американских художников: Джексона Поллока, Марка Ротко, Виллема де Кунинга и Арчила Горки. Официальное арт-сообщество не одобрило такое искусство. Народный художник РСФСР, член Академии художеств СССР Павел Соколов-Скаль после знакомства с творчеством западных художников написал разоблачительную статью, в которой обвинил абстрактное искусство в уходе от жизненной правды. Позже текст был опубликован в одном из номеров советского журнала «Работница».

«Нет сомнения, что наряду со всякими шарлатанами и проходимцами в бесплодном абстракционистском направлении работают и умные, одаренные люди. Почему же они уходят от жизненной правды в искусство абстракции? Потому, вероятно, что им не хватает сил восстать против гнетущей действительности, Память о майданеках, освенцимах, бухенвальдах, о трагедии Хиросимы, о зверствах, чинимых в еще оставшихся колониях, преломляясь в творчестве этих художников, рождает не гнев и протест, а чувство страха, стыда и унижения человеческого достоинства. Отсюда безысходный пессимизм и уход в полную абстракцию, где можно спрятаться от страшных призраков недавнего прошлого и нависшего кошмара атомного уничтожения, проповедуемого армией идеологов империализма».

Зрители у работ Джексона Поллока на Американской национальной выставке в Москве,1959. Источник: Archives of American Art, Smithsonian Institution

Несмотря на негативную реакцию власти на американское искусство, проведенная выставка оказала серьезное влияние на творчество советских художников и развитие нонконформистского искусства. Так, вдохновленный показанными на выставке работами западных абстрактных экспрессионистов, Алексей Тяпушкин начал работать с беспредметной живописью. Работы художника отличаются преимущественно темным колоритом, богатством фактуры и минималистичной композицией. Представленная на торгах «Динамическая эмоциональная композиция» условно разделена на несколько живописных плоскостей бордового, черного и темно-коричневого оттенков. В левый верхний угол художник помещает яркий цветовой акцент, выделяющийся среди довлеющего темного колорита. Сквозь условный «прорыв» проглядываются полосы красного и белого цвета. Работая также и с фактурой, Тяпушкин дополняет плоскость полотна мятой фольгой, создающей неординарные визуальные эффекты.

Лот 22. Алексей Тяпушкин. Динамическая эмоциональная идея, 1966

Скандальный Манеж

Точкой отсчета новой эпохи в неофициальном искусстве СССР можно считать выставку авангардистов студии «Новая реальность» вместе с Эрнстом Неизвестным, открытие которой должно было состояться 1 декабря 1962 года в Манеже. Именно это мероприятие закончилось громким скандалом, так и не успев начаться. Утром 1 декабря посетить выставку в Манеже пришел лидер Советского государства Никита Хрущев. Начав спокойно рассматривать экспозицию, он заметил среди картин те, что сам запрещал еще в 1930-х годах. Позже присутствовавшие с ним на выставке секретарь Союза советских художников Владимир Серов и член Политбюро ЦК КПСС по идеологическим вопросам Михаил Суслов начали критиковать работы Роберта Фалька, Владимира Татлина и Александра Древина. Они называли их «мазней», за которую музеи выплачивают огромные суммы. 

Эрнст Неизвестный. Памятник на могиле Н. С. Хрущева. Новодевичье кладбище. Источник: Wikipedia

Хрущев потерял над собой контроль и выставка закончилась скандалом. Среди работ, которые подверглись критике генсека были и скульптуры Эрнста Неизвестного. Их Хрущев назвал «дегенеративным искусством». Художник хорошо запомнил, что тогда сказал ему Первый секретарь ЦК КПСС: «Вы интересный человек, вы на меня производите впечатление раздвоенного характера творческого: у вас и черт есть, и где-то есть и ангел. Вот сейчас идет борьба, кто из них победит. Я бы хотел, чтобы ангел победил». На что Неизвестный ответил: «Кто вам сказал, что вы разбираетесь в искусстве? Вы ставите себя в смешное положение, вы в этом ничего не понимаете, вас обманывают и подставляют. Вас окружают враги, которые хотят сделать вас смешным». Впоследствии, по иронии судьбы именно Неизвестному выпала честь создать памятник на могилу Хрущева, который заказала семья бывшего Первого секретаря.

Эрнст Неизвестный прежде всего известен как скульптор-монументалист, но в своем искусстве он также работал и с живописью, задействуя пластические идеи своих скульптурных композиций. Часто работы художника составлены из отдельных частей тела и геометрических фигур. Им присущи экспрессивные черты, кубистические мотивы и символическая образность. Необычная и в некоторой степени противоречивая эстетика работ Неизвестного придает новую жизнь классическим живописным сюжетам.

Эрнст Неизвестный в мастерской, 1966. Источник: RAAN

Представленная на торгах работа 1977 года «Через тернии к звездам» была создана художником во время эмиграции в США. Произведения продолжают эстетику скульптурных композиций Неизвестного. Композиционно полотно выстроено как глубокий рельеф. Могучие титанические фигуры запечатлены в окружающем их техногенном пространстве. Воссозданные Неизвестным персонажи совершают динамический прорыв, рассекая движением руки твердую среду. Тонко чувствуя цвета, художник использует в цветовой палитре работы свинцово-серые, пепельные, серо-голубые и ярко-желтые оттенки. Неизвестный также обращается к характерным мотивам искусства «шестидесятников», воплощенным в героике покорения космоса, устремленности в будущее и репрезентации образа человека, как титанической фигуры, предстающей в роли движущей силы прогресса.

Лот 8. Эрнст Неизвестный. Через тернии к звездам, 1977

Двенадцать

Разгром Хрущевым выставки художников-авангардистов в Манеже спровоцировал стремительное развитие нонконформистского искусства. Железный занавес не мешал представителям советского андеграунда заявлять о себе за рубежом — их работы приобретали иностранные коллекционеры и галеристы. Но открыто показать свое искусство зрителю в СССР все также оставалось проблематичным. 

«Выставка двенадцати», организованная в январе 1967 года Оскаром Рабиным и его другом, поэтом и коллекционером Александром Глезером, продлилась всего два часа. Выставленные в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов в Москве произведения двенадцати художников-нонконформистов вызвали недовольство работников учреждения, после чего мероприятие было оперативно прекращено сотрудниками КГБ, а Глезер и Рабин — уволены с их мест работы. Спустя несколько лет Московский горком партии и вовсе запретил самостоятельную организацию художественных выставок в столичных домах культуры.

Кадр из документального фильма о советском андеграунде. Источник: RAAN

Со-организатор «Выставки двенадцати», Оскар Рабин, также являлся основателем «Лианозовской группы», творческого объединения нонконформистов, существовавшее в СССР с конца 1950-х до середины 1970-х годов. Серьезное влияние на искусство классика советского андеграунда Оскара Рабина оказали тяжелые годы войны и бедственное послевоенное время. В 1950–1960-х годах художник проживал вместе с семьей в барачном поселке Лианозово под Москвой. С тех пор главными объектами его искусства становятся деформированные бараки и предметы советского быта, которые в его работах приобретают символическое звучание.

Лианозово, 1963. Фото: Стэн Вейман

Представленная на торгах картина «Натюрморт на московских задворках» — не типична для творчества художника. Рабин намеренно отступает от сформировавшейся еще в 1950-х годах живописной манеры, подразумевающей использование серо-коричневого колорита и тяжелой огрубленной фактуры. На выполненной в светлых тонах работе 1961 года изображен зимний пейзаж. Многоэтажное здание противопоставлено едва заметной на его фоне заснеженной избушке.

В сюжете картины прослеживается авторский комментарий к эпохе строительства типовых хрущевок, которые в период с 1956 до 1980-х годов постепенно вытесняли небольшие деревушки, расположенные близ городов. Изображение избушки отсылает к жизни художника в похожем бараке в Лианозово. При всей сложности и бедности барачной жизни, Рабину удавалось в своих работах подчеркнуть ее особую романтику. Так, едва различимый теплый свет из окна деревянного домика создает ощущение уюта и надежды среди безлюдного и мрачного пейзажа.

Лот 9. Оскар Рабин. Натюрморт на московских задворках, 1961

Еще одним из участников «Выставки двенадцати» был Анатолий Зверев. Благодаря коллекционеру Георгию Костаки к художнику из закрытого СССР пришло международное признание. Репродукции его картин печатались в американском журнале Life, а позже нью-йоркский музей современного искусства (МоМа) пополнил свою коллекцию акварелями Зверева. Искусство художника самобытно и экспрессивно. Будучи мастером импровизации Зверев отказался от использования предварительного рисунка. В свои работы он порой добавлял самые необычные материалы вплоть до овсянной каши и сигаретного пепла.

Анатолий Зверев в мастерской. Источник: Музей AZ

На торгах можно будет увидеть картину «Пейзаж с церковью», выполненную в характерной для Зверева стилистике. Художник работает маслом на холсту, хотя обычно предпочитал использовать акварель. Обращаясь к излюбленному сюжету, он создает изображение архитектурных образов и окружающего их природного ландшафта. Объемность фигур достигается за счет густого нанесения краски на поверхность холста. Цветовая палитра работы строится на использовании классических для пейзажной живописи оттенков голубого и зеленого. К ним художник добавляет оранжевый, выступающий в роли цветового акцента в центральной части композиции.

Лот 14. Анатолий Зверев. Пейзаж с церковью, 1979

Бульдозеры, милиция, и негодующие граждане

В условиях запрета на публичное экспонирование работ для представителей неофициального искусства, в 1974 году молодым художникам Виталию Комару и Александру Меламиду приходит идея проведения выставки на открытом воздухе. В качестве площадки планируемого события был выбран пустырь на окраине Москвы — в Беляево, а организацию на себя взяли коллекционер Александр Глезер, лидер «Лианозовской группы» Оскар Рабин и ленинградский художник Евгений Рухин.

Виталий Комар, Александр Меламид, Иосиф Бакштейн (спиной), Александр Гольдфарб и Михаил Рошаль-Федоров на «Бульдозерной выставке» до начала разгона. Москва, 15 сентября 1974. Фото: Владимир Сычев. Из архива Михаила Абросимова. Источник: russianartarchive

«Первый осенний просмотр картин на открытом воздухе», как обозначалось в пригласительных, не был формально запрещен, поскольку в СССР не существовало регламентирующих подобную деятельность законов. Однако в назначенный день — 15 сентября, некоторые участники выставки даже не успели распаковать свои работы, когда к импровизированной экспозиции направились негодующие горожане с саженцами, намеревающиеся провести субботник, в сопровождении бульдозеров и наряда милиции. Камерное мероприятие, в котором участвовало не более 20 художников, их близкие друзья и родственники, было жестоко разогнано: многие работы уничтожены, участники задержаны и отправлены в отделение милиции, что зафиксировали камеры иностранных журналистов, приглашенных Александром Глезером. 

«Бульдозерная выставка», как ее окрестили впоследствии, имела широкий резонанс в западных СМИ и вызвала международный скандал. Кадры притеснения андеграундных художников в СССР облетели весь мир. Власти вынуждены были урегулировать конфликт и разрешили провести выставку неофициального искусства двумя неделями позднее в Измайловском парке, которая стала еще одной вехой в истории отечественного искусства и победой художников-нонконформистов в борьбе за право открыто показывать свои работы широкому зрителю. Выставка продлилась всего несколько часов, но была встречена небывалым ажиотажем у публики, которая насчитывала несколько тысяч человек.

Выставка в Измайловском парке. Москва, 29 сентября 1974 года. Фото: Владимир Сычев. Источник: artguide

Одним из участников и организаторов знаменитых выставок на открытом воздухе 1974 года был художник Евгений Рухин. Его творческий метод сформировался под влиянием искусства Владимира Немухина и Оскара Рабина. Несмотря на то, что Рухин был ленинградцем, он проводил значительную часть времени в Москве и активно участвовал в событиях, организуемых художниками близкого ему «Лианозовского круга». В своей творческой практике Рухин сочетал абстракцию с традицией древнерусской иконописи и найденными бытовыми объектами, введенными в плоскость грубого холста или мешковины. Художник часто экспериментировал с фактурой работ и техникой нанесения красочного слоя, как в представленной на торгах «Композиции» 1971 года. Кракелированная живописная поверхность с потеками и отслоениями краски создает таинственный образ произведения искусства давно минувшей эпохи. Будто в попытке остановить разрушающее воздействие времени, художник «закрепляет» утратившее всякий намек на репрезентативное начало «изображение» металлическими кнопками.

Лот 17. Евгений Рухин. Композиция, 1971

Активным участником событий 1974 года был и Владимир Немухин — один из лидеров «Лианозовского круга». В своей творческой практике художник обращается к технике ассамбляжа, вводя в живописную плоскость холста реальные предметы. Если Евгений Рухин использовал разнообразные найденные объекты от ржавых петель до деревянной матрешки, то Немухин еще в середине 1960-х годов открывает для себя магистральную для его творчества тему игральных карт, которой художник оставался верен до конца жизни. Представленные на торгах работы «Незаконченный пасьянс» 2010 года и «Слон» 1988 года — характерные примеры развития художником выбранной тематики в разные периоды его творчества.

Квартирная эпоха

Практически с самого своего начала деятельность художников-нонконформистов носила «квартирный характер» — лианозовцы собирались в квартире барачного дома в поселке Севводстрой, а участники «Новой реальности», после того как их выселили из помещений в Доме учителя на Б. Коммунистической улице, обосновались в загородном Абрамцево, где на территории дачи Элия Белютина были отстроены мастерские. В 1967 году Илья Кабаков, как он сам признается, чудом получает за один день разрешение на мастерскую в здании доходного дома страхового общества «Россия», которая буквально через пару лет стала меккой художников неофициального искусства — здесь проводились выставки и встречи. В своих квартирах устраивали встречи и представители не художественной богемы — пианист Святослав Рихтер и композитор Андрей Волконский. В своем доме устраивал встречи и показы искусства Георгий Костаки, сыгравший ключевую роль в становлении Анатолия Зверева. Однако в 1950–1960-х годах подобные квартирники в большей степени играли роль места встречи, нежели выставочного пространства.

Елена Елагина, Лев Рубинштейн, Никита Алексеев, Виктор Скерсис, Илья Кабаков, Андрей Монастырский, Мария Константинова в мастерской Ильи Кабакова. Начало-середина 1980-х. Архив Льва Рубинштейна. Источник: Артгид

Вместе с ростом нонконформистского художественного сообщества в 1970-х годах начинали набирать более массовый характер и квартирные встречи, на которых все большая роль отводилась выставочным задачам. Одной из первых и наиболее знаковых стала серия экспозиций «Предварительных квартирных просмотров к Всесоюзной выставке», организованная весной 1975 года. Смотры были организованы в качестве ироничного жеста — реакции на отказ от Главного управления культуры о проведении «Всесоюзной выставки» произведений художников, работавших вне соцреалистической стилистики. Выставки проходили в квартирах Оскара Рабина, Иосифа Киблицкого, Корюна Нагапетяна, а также в мастерских Михаила Одноралова и Бориса Штейнберга. «Предварительные смотры» получили настолько большую огласку (во многом благодаря анонсам на радиостанциях «Свобода» и «Голос Америки»), что к квартирам выстраивались длинные очереди. В выставке приняли участие практически все знаковые художники той эпохи: Анатолий Зверев, Виталий Комар, Евгений Кропивницкий, Александр Меламид, Дмитрий Плавинский, Евгений Рухин, а также фотограф Сергей Борисов.

Экспозиция «Предварительного квартирного просмотра к Всесоюзной выставке» в квартире Оскара Рабина, 1975. Фото: Игорь Пальмин. Источник: RAAN

Среди участников «Предварительных квартирных просмотров к Всесоюзной выставке» был и Михаил Рогинский, чья работа «Розовая стенка» представлена на торгах. Период 1970-х годов в творчестве художника Лиана Рогинская (вдова автора) определяла как «ретро». В это время он увлекся живописью старых мастеров, в частности, полотнами малых голландцев. Можно предположить, что одна из работ этого периода была представлена и в тех самых квартирах, где проходил «Предварительный смотр».

Михаил Рогинский, 1977. Фото: Игорь Пальмин. Источник: RAAN

«Розовая стенка» написана спустя около 30 лет — в 2002 году, и объединяет в себе сразу несколько элементов, характерных для более ранних периодов искусства Рогинского. Здесь и классический натюрморт — жанр, распространенный среди малых голландцев, которыми художник вдохновлялся в 1970-е, и фирменный розовый цвет, полюбившийся ему еще во время работы театральным оформителем в 1950-х, инверсия фона и объекта изображения, с которыми он экспериментировал в 1960-х.

Лот 5. Михаил Рогинский. Розовая стенка, 2002

Впоследствии движение квартирных выставок стало неотъемлемой частью нонконформистского сообщества. В 1982 году в своей небольшой однушке Никита Алексеев откроет знаменитую галерею АПТАРТ с экспозицией работ арт-группы «Мухомор», а уже в 1985 в Москве появится первый сквот — «Детский сад», который откроет новую веху в эпохе «квартирного андерграунда». Подробнее об этом движении мы писали в наших прошлых материалах: «VLADEY ЧК: Путеводитель по советскому андеграунду» и «Откуда берутся шедевры искусства?». В сквотах и квартирах частыми гостями были не только художники и представители богемы, но и зарубежные коллекционеры, чаще всего из числа посольских работников. 

Компромисс: Горком графиков

Осенняя выставка в Горкоме графиков. Москва, 1977. Слева направо: Владимир Немухин, Александр Рабин, Оскар Рабин, Николай Вечтомов, Виталий Линицкий, Виталий Длугий, Владислав Провоторов. Фото: Игорь Пальмин. Источник: RAAN

Следующей важной вехой в истории современного российского искусства стало достижение компромиссного решения между советской властью и художниками-нонконформистами. В 1976 году была создана секция живописи при Горкоме графиков, открывшая путь легитимизации для советского художественного андерграунда. Выделенное властями полуподвальное помещение располагалось на Малой Грузинской улице и служило членам сообщества и офисом, и выставочным пространством. Таким образом, художники, преследуемые правоохранительными органами по закону о тунеядстве, вышли из серой зоны и получили возможность открыто экспонировать свои работы, а советская тоталитарная система — держать под неусыпным контролем инакомыслящих представителей неофициальной культуры. 

Зрители перед входом на Вторую выставку двадцати московских художников в Горкоме графиков, 1979. Источник: RAAN

Художники начали готовиться к первой крупной выставке, которая проходила в период с декабря 1977 по февраль 1978 года и вызвала настоящий ажиотаж у московской публики. В дальнейшем членов живописной секции, насчитывавшей порядка 100 человек, разбили на малые группы для удобства экспонирования работ, поскольку выделенное властями помещение было более чем скромным. Попадая в выставочное пространство, зритель оказывался в иной, насыщенной авторскими высказываниями и яркими красками среде, которая производила шокирующий эффект на человека брежневской эпохи, окруженного серой и однообразной повседневностью. Среди выставлявшихся на Малой Грузинской художников за 15-летний период функционирования объединения были такие имена, как Дмитрий Плавинский, Владимир Немухин, Оскар Рабин, Николай Вечтомов, Илья Кабаков, Виктор Пивоваров, Михаил Шварцман, Эдуард Штейнберг, Семен Файбисович и многие другие.

Александр Харитонов и Николай Вечтомов на пути в выставочный зал Горкома графиков. Москва, 1976. Фото: Игорь Пальмин. Источник: RAAN

Одним из участников первой выставки живописной секции Горкома графиков 1977 года был Николай Вечтомов, входивший с начала 1950-х годов в «Лианозовский круг». Представленная на торгах работа «Дуэт» сочетает в себе характерные черты творческого метода художника. Сюрреалистичная композиция выстроена на сочетании пустынного фантастического пространства, не лишенного пейзажных мотивов, и абстрактных обобщенных форм. Вечтомов работает в узнаваемой контрастной цветовой палитре: ярко-красный и оранжевый соседствуют с антрацитовым черным. Зритель погружается в атмосферу ирреального внеземного мира, который существует по иным, неизвестным нам, законам.

Лот 12. Николай Вечтомов. Дуэт, 1996

Одним из самых таинственных художников-нонконформистов был Михаил Шварцман. Над своими живописными произведениями он мог работать по нескольку лет, постоянно осмысляя и видоизменяя их. Свои работы он показывал в основном только близкому кругу друзей и соратников, а также по рекомендациям, которые его знакомые предоставляли для других людей. Произведения производили особенно сильное впечатление, поскольку художник сопровождал показы своих работ шаманским по своему духу действом. Шварцман продавал свои картины только в исключительных случаях, такими же редкими были и выставки в его творческой биографии. Только в 1983 году художник впервые представил широкой публике шесть графических иератур в Горкоме художников-графиков на выставке «Акварель, рисунок, эстамп».

Владимир Немухин, Михаил Шварцман и Эдуард Штейнберг на выставке «Акварель. Рисунок. Эстамп» в Горкоме графиков. Москва, 1983. Фото: Игорь Пальмин. Источник: RAAN

Свою авторскую концепцию искусства Михаил Шварцман вырабатывает к 1970-м годам и дает ей название «иератизм» (греческое hieros — «священный» и латинский суффикс — ura). В рамках этой теории художник предстает в роли «иерата» — медиума и пророка, соединяющегося со «вселенским знакопотоком» через жертвенный экстаз. Он фиксирует постоянно живой и меняющийся мир знаков, итогом является уникальное сочетание знаковой структуры. Представленное на торгах полотно «Звон» 1978 года — характерный пример зрелой манеры мастера.

Лот 10. Михаил Шварцман. Звон, 1978

Нонконформизм и авангард от А до Я

Особое место в истории русского современного искусства занимает журнал «А — Я», который издавался в период с 1979 по 1986 год силами двух человек: в Москве фотограф и коллекционер Александр Сидоров собирал и редактировал материалы, а затем подпольно высылал их в Париж художнику Игорю Шелковскому. Издание было ежегодным и стало настоящим открытием для западных коллекционеров и галерей: именно на страницах «А — Я» впервые прозвучали имена таких советских художников, как Эрик Булатов, Олег Васильев, Иван Чуйков, Игорь Макаревич, Римма и Валерий Герловины, Франсиско Инфанте, Илья Кабаков, Виталий Комар и Александр Меламид, Константин Звездочётов, Леонид Соков.

В журнале публиковались не только монографические исследования об актуальном советском искусстве, но в том числе и статьи самих художников. Например, в третьем номере «А — Я» от 1981 года был издан текст Андрея Монастырского о знаменитых концептуальных сериях фотографий «Изменение» и «Выбор цели» Игоря Макаревича — товарища автора по группе «Коллективные действия». Экзистенциальный тон работ художника 1970-х годов, выбор серийности как средства художественного выражения, отмеченные Монастырским в статье, также сохраняются и в произведениях 1990-х годов. Представленная на торгах работа Макаревича «По мотивам “Чайки” Чехова» 1991 года — серия цветных литографий, вдохновленная идеями и образами одноименной пьесы, лейтмотивом которой были вечные вопросы одиночества, ощущения себя в мире и неминуемости смерти.

Лот 28. Игорь Макаревич. Листы №15,16,17 из серии «По мотивам «Чайки» Чехова» (триптих), 1991

Издание часто несправедливо считают печатной платформой концептуализма — первый номер открывала знаковая статья Бориса Гройса «Московский романтический концептуализм». Будучи единственным журналом, освещавшим художественную жизнь за железным занавесом, редакция не могла позволить себе ограничиться только одним, доминирующим направлением в современном советском искусстве. Так в издании впервые были опубликованы теоретические тексты Казимира Малевича и Павла Филонова, фрагменты книги Валерия Паперного «Культура 2» — о стилистических и смысловых особенностях тоталитарной культуры сталинской эпохи, а также исследования о художниках-нонконформистах старшего поколения.

Граффити со стихограммой Дмитрия Пригова в честь журнала «А — Я». Москва. Фото: Москвич Mag

Первый аукцион Sotheby’s в Москве

С наступлением эпохи «перестройки» и «гласности» пришло время и официального выхода советского искусства на международный арт-рынок. Для правительства Горбачева проведение первых торгов западного аукционного дома Sotheby’s в Москве было демонстрацией кардинальных изменений как во внешней политике страны, так и во внутренней. В свою очередь, для советских художников-нонконформистов участие в торгах было уникальной и прежде совершенно невообразимой возможностью открыто представить свое искусство международному арт-сообществу, привлечь внимание западных коллекционеров и галерей. Для аукциона «Русский авангард и современное советское искусство», прошедшего 7 июля 1988 года в Совинцентре, было отобраны произведения 34 художников от авангарда первой волны и признанных мэтров соцреализма до представителей неофициального искусства разных поколений, среди которых были Иван Чуйков, Илья Кабаков, Сергей Шутов, Дмитрий Краснопевцев, Владимир Янкилевский, Гриша Брускин, Леонид Пурыгин и другие. Многие участники получили предложения о сотрудничестве от западных галерей и эмигрировали из СССР.

Аукцион Sotheby’s, Москва, 1988. Источник: ТАСС

Работа «Молох» 1988 года «настоящего нутряного примитивиста» Леонида Пурыгина была одним из лотов, проданных на аукционе Sotheby’s, после чего художник обрел признание за пределами СССР и уехал вместе с женой и дочерью в США, где занимался популяризацией русского «наивного» искусства и даже открыл собственную галерею в Нью-Йорке. Представленная на торгах VLADEY работа «Зеленый крест» включает в себя характерные для зрелой творческой практики Пурыгина черты: тщательно продуманная композиция с неизменным акцентом на женском образе, богатый колорит с преобладанием синих и зеленых тонов, а также скрупулезность в проработке деталей. 

Лот 6. Леонид Пурыгин. Зеленый крест, 1980-е

В числе востребованных на западе советских художников оказался и классик нонконформизма Владимир Янкилевский, работа которого «Триптих №13» также была продана на торгах Sotheby’s. В том же 1988 году он совершает свое первое путешествие в Нью-Йорк, который вскоре наравне с Москвой и Парижем станет одной из точек на карте мира, где художник впоследствии жил и работал. Представленная на аукционе VLADEY работа «Обстоятельства» является обращением художника к одной из магистральных тем в его творчестве — образу «экзистенциального ящика» — пространства, ограничивающего свободу человека. Герой работы Янкилевского — заложник внешних обстоятельств, уставший от жизненной рутины и одиночества. Крышка коробки закрывается все плотнее, а выбраться из нее практически невозможно.

Лот 7. Владимир Янкилевский. Обстоятельства, 2008

Сегодня многие (не уничтоженные в ходе обысков КГБ) произведения нонконформистов прочно осели в музейных и частных коллекциях. Последние несколько лет, ранние и зрелые, а в отдельных случаях, и поздние работы первых звезд нонконформизма практически невозможно найти в продаже — коллекционеры не часто готовы расставаться с любимыми музейными шедеврами. Но шанс есть всегда и он ждет самых ярых поклонников неофициального искусства уже в эту субботу на торгах VLADEY НОНКОНФОРМИЗМ. 

---

VLADEY НОНКОНФОРМИЗМ

4 марта, 15:00

Каталог и регистрация