Есть ли в России поп-арт?

Поп-арт традиционно считался западным явлением. Художник Виталий Комар даже сказал: «В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть». Позднее Комар вместе с Александром Меламидом основали соц-арт, и с тех пор стало принято считать, что это и есть русский поп-арт. Отношение к истории этого явления в России изменил проект, представленный в Третьяковке, — выставка «Русский поп-арт». Для музейной практики это было уникальное явление — экспозиция стала одной из первых возможностей заговорить о поп-арте в отечественном контексте, а произведения российских художников были впервые продемонстрированы в связи с таким важным направлением для мирового искусства.

Вид экспозиции выставки «Русский поп-арт», 2005. Архив музея «Гараж»

Экспозиция в Третьяковской галерее показала, что, на самом деле, поп-арт существует в России уже более 30 лет. Хрестоматийные работы классиков российского современного искусства открылись с абсолютно новой стороны благодаря оригинальной кураторской задумке. Все работы были разделены на категории: так, искусство Михаила Рогинского стало «преддверием поп-арта в России», легендарные окна Ивана Чуйкова попали в категорию «московский поп-арт», а также было выделено новое направление «нео-поп-арт». 

Монтаж выставки «Русский поп-арт», 2005. Архив музея «Гараж»

После открытия выставки заголовки вышедших рецензий заявили: «Поп-арт в России больше чем поп-арт» и «Уорхол в диалоге с русскими художниками». Ч.Т.Д.: Поп-арт в России есть! На предстоящих торгах VLADEY X ищем и находим то, как отразились приемы поп-арта на отечественном современном искусстве.

ЭКСКЛЮЗИВНОЕ и МАССОВОЕ 

Одним из основных признаков поп-арта Андрей Ерофеев называет предпочтение массового единичному. «Поп-арт ориентирован на “выбор народа”, на массовый вкус населения» — пишет куратор. В американском искусстве XX века настоящей иконой массового потребления стала банка Кэмпбелл Энди Уорхола. Именно этот символ воссоздает на холсте Авдей Тер-Оганьян. В 1990 году в своей мастерской в Черниговском переулке он пишет представленную работу «Энди Уорхол. Campbells soup». Фигура Уорхола всегда занимала художника, позднее он говорит, что считает ее одной из крупнейших в искусстве XX века. В отличии от Дюшана, сделавшего из реальной вещи реди-мейд, Уорхол превратил свое искусство в товар массового потребления: картины с изображением банок супа были впервые показаны в галерее Ferrus и выставлялись как на прилавке. Тогда же, в 1962-м, Уорхол создает «Большую банку супа Кэмпбелл с открывашкой», которую цитирует Тер-Оганьян. Если в тот год каждое полотно Уорхола продавалось по 100 долларов, то позднее директор Ferrus Gallery Ирвин Блюм продаст всю серию МоМА за 15 миллионов.

Лот 18. Авдей Тер-Оганьян. Энди Уорхол. Campbells soup из серии «Картины для музея», 1990

Увлекшись фигурой Уорхола, Тер-Оганьян помимо представленного холста создает металлические банки супа Кэмпбелл, которые позднее будут экспонироваться на выставке «Русский поп-арт». Работы художника кураторы выставки отнесли к направлению нео-поп-арт. Благодаря методу Авдея Тер-Оганьяна в конце XX века у поп-арта в России появляется новое прочтение: теперь это не только тиражирование образов народного потребления, но и воссоздание уже знакомых шедевров мирового искусства. «Я работаю с искусством ХХ века и рассматриваю поп-арт как одну из стратегий авангарда. Именно авангард и является основной проблемой моей работы. Мой живописный проект по существу — проект поп-артисткий, в котором я использую икону XX века, где музейное искусство выступает в качестве поп-образов» — говорит Тер-Оганьян.

Энди Уорхол. Большая банка супа Кэмпбелл с открывашкой, 1962. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Интересный факт: Впервые легендарная банка Кэмпбелл попала в Россию благодаря Джоанне Стингрей. Ее другом в Нью-Йорке был Энди Уорхол, а в Ленинграде — «Новые художники». По ее просьбе, Уорхол подписал для Бугаева (Африки), Олега Котельникова, Тимура Новикова, Виктора Цоя и других двадцать банок знаменитого супа. По воспоминаниям, Котельников, получив подписанную банку Кэмпбелл, сразу открыл ее и съел суп.

Этикетка от банки супа с автографом Энди Уорхола из квартиры Георгия Гурьянова. Источник: Архив Георгия Гурьянова

ПРИНЦИПЫ НОВОГО ИСКУССТВА НА ПОНЯТНОМ ЯЗЫКЕ — УЛИЧНОЕ и БРОСОВОЕ

Поп-арт задал новые правила: рекламу и китч он возвел до уровня шедевра искусства. «Как в свое время Федор Достоевский, сделавший бульварный роман литературной нормой, или Михаил Ларионов, представивший вывеску образцом современной живописи, поп-арт устанавливает принципы нового искусства по законам языков массовых коммуникаций» — пишет Андрей Ерофеев. Помимо прямой апелляции к брендам, поп-артисты обращались к нехудожественным материалам — «низкому, уличному и бросовому». Валерий Кошляков построил на этом свой метод: фирменная техника появляется в начале 1990-х, когда он переезжает из Ростова-на-Дону в Москву и обращается к материалам вроде скотча или картона для создания «высокого искусства». В его работе №2 из серии «Палладио» величественная постройка создается за счет коллажа из скотча.

Лот 9. Валерий Кошляков. Из серии «Палладио», 2002

Именно в технике коллажа было выполнено произведение, которое сегодня считается первым примером поп-арта — это коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 года. Гамильтон поместил в рамках одного произведения журнальные вырезки со всеми благами современного мира: последняя модель магнитофона, телевизор с красоткой-моделью на экране, пылесос и свежая газета.

Ричард Гамильтон. Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?, 1956. Тюбингенский музей искусств, Тюбинген, Германия

Если художник мастерски компонует имиджи масс-культуры, то Константин Звездочётов использует ту же технику, но уже для того, чтобы привнести в действительность сказку. В работе «Две бабочки» Звездочётов дополняет композицию с двумя бабушками-бабочками вырезанным павлином и наклейками-бабочками. В то же время башня Кремля, виднеющаяся на фоне, добавляет в эту волшебную историю современные реалии, словно напоминая, что искусство Звездочётова — это не только фантазия, но и остроумный комментарий об окружающей действительности.

Лот 14. Константин Звездочётов. Две бабочки, 2022

БЫТ В РОЗОВОМ СВЕТЕ

Еще одна характерная особенность поп-арта, отмеченная Андреем Ерофеевым —  возведение в эстетический культ бытовых вещей массового обихода. И если раньше жанр бытового натюрморта считался «низшим» и с него начинали свою творческую карьеру молодые художники, то в рамках поп-арта создание манящего образа повседневности стало ярким жестом. Бытописание при этом не останавливалось на изображении предметов. Лица и герои, которые окружают человека каждый день также становились предметом для концептуального осмысления в поп-арте. 

Например, в 1979–1989 годах Игорь Макаревич создает работу «Воспоминания о друге», в которой использует классический для его искусства того времени прием последовательного гипсования своего лица. Впервые с этой техникой художник работал при создании «Изменений» 1978 года. Это была серия фотографий документации перформанса, где Макаревич помещал лицо внутрь ящика, затем лицо записывалось на манер «посмертной маски», после чего исчезало, оставляя от себя лишь бинты и осколки материала. В «Воспоминаниях о друге» художник создает нечто вроде копии загипсованного лица из «Изменений», которая тиражируется им на 25 ячеек, образующих сам объект. Произведение окрашено в фирменный для Макаревича темно-зеленый цвет с радужной полосой по диагонали. Так он объединяет свойственные поп-арту элементы: возведение процесса «повторения» и повседнего образа в ранг искусства.

Игорь Макаревич. Воспоминание о друге, 1979-1989. Третьяковская галерея, Москва, Россия

Подобная работа с искусствлением повседневных образов является одной из магистральных линий творчества Игоря Макаревича. Как и многие художники-авангардисты той эпохи, он обращается к проблеме сочетания советского мифа и советского быта. За абсурдом советского существования художник видит нечто более глубокое: в нем проявляется миф, и за малым мифом индивидуального бытия стоит большой миф, миф коллективный, уходящий корнями в тысячелетнюю историю русской культуры. 

Представленный на торгах «Буратино с мандолиной» создан в 1996 году и является одной из первых работ, где появляется этот образ. Вокруг него художником была выстроена полноценная мифология, связанная с советской повседневностью. Буратино появился в ранних проектах дуэта Игоря Макаревича и Елены Елагиной и связывался с историей пролетарской писательницы Елены Новиковой-Вашенцевой, протеже Максима Горького. Согласно мифу, она взялась за перо в 1913 году после того, как муж сильно ударил ее поленом по голове. Так грубое столкновение с материей «почвы» послужило буквальным «толчком» для раскрытия творческого потенциала, и потенциала революционного.

Лот 15. Игорь Макаревич. Буратино с мандолиной, 1996

БРЕНД КАК АВТОРСКИЙ ЗНАК

Художники поп-арта практически всегда искали «свой вариант знака и объекта, свой узнаваемый брэнд, и на протяжении нескольких лет разрабатывал его, растиражировав во множестве произведений» — замечает Андрей Ерофеев. Это было своего рода подражание массовой культуре, в которой они искали вдохновение и которую критиковали. Рой Лихтенштейн имитировал на холсте типографскую печать, а Энди Уорхол закрепил за собой тиражи портретов знаменитостей, выполненные в разных оттенках.

Рой Лихтенштейн. Безнадежно, 1963. Базельский художественный музей, Базель, Швейцария

Этот прием укоренился и в творческой практике авторов, не работающих напрямую в эстетике поп-арта. Для Алексея Каллимы таким «брендом» стала техника — уголь и сангина, которой художник отдает предпочтение уже на протяжении многих лет. Как признается сам автор, «эти материалы отлично дополняют друг друга». Однако иногда один из материалов преобладает над другим, а в некоторых композициях художник отдает предпочтение только одному материалу. Так и представленная на торгах работа 2007 года выполнена только углем. Каллима создает мастерскую игру света и тени, благодаря высветлению и усилению тонов.

Лот 8. Алексей Каллима. Без названия, 2007

Другой подход к созданию собственного фирменного знака избрал Олег Кулик. Его «бренд» выстраивается не через технику, а в рамках концептуальной тематики. Кредо Кулика — исследование всего животного, что есть в человеке. 

В 1994 году Кулик впервые предстает в образе собаки — сначала в Москве, а потом в Кунстхалле в Цюрихе. С этого момента «собакиада» художника претерпевала различные изменения, как концептуальные, так и эстетические. Со временем «звериная» тема расширилась и Кулик начал искать метафоры и в других животных. Так в представленной на торгах работе «Колибри» он создает фотоколлаж из множества птиц, сливающихся в калейдоскоп образов. Вглядевшись в психоделическую композицию, можно заметить фигуру самого Кулика на одной из колибри. Позднее работа вошла в проект «Вглубь России», который объединил произведения разных лет, в каждом из которых художник использовал образы животных. Зачастую он открывал дикие, звериные черты в человеке, однако в работе «Колибри» Кулик буквально встраивает самого себя в естественную среду и словно растворяется в ней. «Даже самая маленькая птичка прекраснее самого большого художника» — говорит Олег Кулик.

Лот 20. Олег Кулик. Колибри из серии «Страхи белого мужчины», 2003

Поп-арт в России есть, а его приемы давно взяли на вооружение отечественные авторы. Яркое и стильное, близкое каждому искусство будет ждать вас на торгах VLADEY X уже в эту субботу!

VLADEY Х

15 октября, 15:00

Принять участие