Современный реализм

26 января 2023

Реализм как художественное направление возник во Франции 1840-х годов, изменив представление о том, каковы задачи изобразительного искусства в стремительно меняющемся мире. Развитие нового мировоззрения в искусстве разворачивалось на фоне бурной урбанизации и индустриализации, нестабильности политических систем и роста влияния печатных средств массовой информации. Повседневная жизнь и современный мир, даже в их неприглядном виде, становятся объектами художественного осмысления. Художники-реалисты противопоставили свое искусство, сконцентрированное на сближении с реальной жизнью, академической системе, воспроизводящей идеализированные исторические и мифологические образы.

Родоначальником реализма в изобразительном искусстве считается Гюстав Курбе. На Парижском салоне 1851 года художник выставил масштабное полотно «Похороны в Орнане», которое шокировало публику и вызвало бурную реакцию критики. Натуралистическое изображение сельских похорон разительно отличалось от академической живописи, традиционно представленной на Салоне.

Гюстав Курбе. Похороны в Орнане, 1849-1950. Музей Орсе, Париж, Франция

Эдуард Мане сделал следующий шаг в укреплении позиций реализма, когда попытался выставить на Парижском салоне 1863 года полотно «Завтрак на траве». Сюжет работы — пикник полностью одетых молодых людей и обнаженной женщины легкого поведения, дерзко смотрящей прямо на зрителя, стал настоящим оскорблением для жюри Салона, которое отклонило работу. Однако позднее полотно было показано на Салоне Отверженных, созданном при поддержке императора Наполеона III, где были показаны работы, не прошедшие отбор жюри Парижского салона.

Эдуард Мане. Завтрак на траве, 1863. Музей Орсе, Париж, Франция

Скандалы в прессе, сопутствующие появлению новых работ Курбе и Мане, позволили художникам не только стать настоящими звездами в мире искусства, но и бросить вызов Академии художеств и жюри Парижского салона, допускавших к экспонированию работы исключительно академического толка. Поддержку художникам-реалистам оказал Шарль Бодлер, известный современникам в качестве литературно-художественного критика. В своем эссе 1963 года года «Художник современной жизни» он призывает обратиться к фиксации действительности, сближению искусства и жизни: «Мы не вправе презирать или отбрасывать этот элемент преходящего, летучего и бесконечно изменчивого. Устраняя его, мы впадаем в пустоту абстрактной и безличной красоты»

Став популярным художественным направлением во Франции, реализм быстро распространился за ее границы, охватив всю Европу, а затем и Америку. Подробнее о развитии реализма в исторической перспективе можно узнать из материала VLADEY Это реально!.

Но каким же образом художник, выбирающий живопись как медиа, а реальность как объект осмысления, может оставаться современным после появления реди-мейда, тотальной инсталляции, перформанса и видео-арта? Постмодернистская эстетика предполагает смешение, переработку стилей прошлого и полную свободу в выборе формы выражения. Мы рассмотрим несколько стратегий, используемых современными художниками в работе с фигуративной живописью.

ДЕТАЛЬНЫЙ ГИПЕРРЕАЛИЗМ

Термин «гиперреализм» появился как синоним понятия «фотореализм» в начале 1970-х годов для описания направления в современном европейском искусстве, базирующемся на фотографии. В отличие от классиков американского «фотореализма» (таких как Чак Клоуз и Ричард Эстес), детально точно воспроизводящих фотографическое изображение в живописных медиа, европейская ветвь этого направления использовала фотографию в качестве прототипа, видоизменяя и искажая образ, который обретал собственную эмоциональную специфику.

Став популярным художественным направлением в Европе, гиперреализм проник в СССР через страны Прибалтики, где в 1970-х годах работали группы художников-гиперреалистов в Таллине и Тарту. Пик развития гиперреализма в СССР приходится на 1980-е годы, когда в Москве такие молодые художники, как Сергей Базилев, Сергей Гета, Алексей Тегин, Николай Филатов и Сергей Шерстюк объединяются в группу «Шесть». Группа была тесным сообществом: художники писали портреты друг друга, совершали совместные поездки и документировали их. Основными чертами искусства художников этого круга были отстраненность и непредвзятая фиксация действительности

Участник группы «Шесть» Сергей Гета — один из лидеров гиперреализма в России, который стоял у истоков этого направления в начале 1980-х годов. Художник создает фотореалистичные изображения, фиксируя с детальной точностью поверхность воды или небесный свод, которые находятся в беспрестанном движении. Сергей Гета уделяет особое внимание процессу создания работы, который основан исключительно на работе с кистью. Скрупулезная фиксация деталей, длительная работа над каждым фрагментом полотна сообщает конечному результату ощущение медитативного покоя.

В работе 2022 года «Поток 2» из многолетней серии «Дао воды» художник исследует разнообразие воды, как сущности, подверженной бесконечному процессу изменения. Водная гладь, гонимая ветром, преображает сокрытую под ее поверхностью жизнь, беспрестанно меняет оптику восприятия наблюдателя. Сергей Гета останавливает ускользающий момент бытия, погружает его в вечность.

Лот 14. Сергей Гета. Поток 2 из цикла «Дао воды», 2022

Семена Файбисовича причисляют к направлению фотореализма, при этом ряд исследователей говорит о нем и как о гиперреалисте. К детально точной фиксации окружающего мира художник обратился еще в 1970-е, создавая, по выражению Дмитрия Пригова, живописные примеры «гиперреализма с человеческим лицом». В 1980-е, желая запечатлеть гипнотически увлекающий его облик эпохи, создав ее своеобразный портрет, Файбисович пишет циклы картин, объединенных одной темой: «Рейсовый автобус» (1983–1991), «Московский метрополитен имени Ленина» (1984–1988), «Подмосковная электричка» (1985–1991), «На пляже» (1983–1988). Традиционно искусство 

В 1984 году Семен Файбисович начинает серию работ, посвященную цветам. Как говорит сам художник: «Цветочки стали для меня отдушиной, отрадой души. Разговор с обступающей советской реальностью, который был для меня тогда способом выживания в ней, выходил, как правило, жестким, иногда до невыносимости. А тут получалось дать волю своим лирическим поползновениям, простодушно поддаться очарованию красоты мира»

Натюрморт «Астры» 1986 года погружает зрителя в пространство сложной игры теней и отражений. Стеклянная ваза с букетом астр стоит на монохромной поверхности в желто-коричневых оттенках, в которую вторгаются тонкие блики света. Лепестки цветов написаны так, что создается ощущение их движения от легкого дуновения ветра. Семен Файбисович — мастер тончайших нюансов визуального: в изображении цветов и прозрачной вазы он словно ловит внутреннее свечение.

Лот 15. Семен Файбисович. Астры, 1986

Анастасия Кузнецова-Руф, выпускница ИПСИ и Института им. Сурикова, в своих работах использует преимущественно графические материалы, сочетая их с живописью. Художница верна академической традиции в изображении человеческого тела. Ее монохромные по колориту работы фиксируют с блестящей точностью мельчайшие подробности поверхности кожи, ее складки и проступающие сплетения вен. В своей практике Анастасия Кузнецова-Руф ставит перед собой сложные задачи: при использовании минимума художественных средств, добиться фотографического эффекта воспроизведения реальности.

Лот 10. Анастасия Кузнецова-Руф. Потом отпущу, 2016

В работе «Потом отпущу» Анастасия Кузнецова-Руф размышляет о природе человека и его желании обладать прекрасным, которое может быть губительным для него. Выверенная композиция помещает в центр внимания зрителя лишь жест удержания. Рука, сжимающая бабочек, исполнена с фотографической точностью. В правом верхнем углу композиции свободно парящие бабочки оказываются мимолетным видением, ускользающим моментом времени, а попытка удержания приводит лишь к разрушению и смерти.

Лот 30. Виктор Пономаренко. Vita nostra, 2022

Виктор Пономаренко осмысляет современность, так же как и Сергей Гета, обращаясь к стилистике гиперреализма. Работа из серии “Vita nostra” появилась в качестве реакции на новость о закрытии сети ресторанов McDonald’s в России. Фотографически точное живописное изображение фаст-фуда, как символа современной реальности, обретает новые коннотации, когда логотип бренда исчезает с поверхности упаковки узнаваемой формы.

РЕАЛЬНОСТЬ НА ГРАНИ С АБСТРАКЦИЕЙ

Василий Кандинский. Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910. Центр Жоржа Помпиду, Париж, Франция

Как известно, выход к беспредметному искусству лежал через абстрагирование форм в пейзаже. После создания первой абстрактной акварели в 1910 году Василий Кандинский, тем не менее, постоянно возвращался к натурным этюдам. Его пейзажи 1910-х годов балансируют на грани с абстракцией, где через цветовое пятно и свободно вьющуюся линию проступает фигуративное начало.

Василий Кандинский. Осень II, 1912. Собрание Филлипс, Вашингтон, США

Один из лейтмотивов искусства Алексея Ланцевафиксация впечатлений, полученных в путешествиях. Работа 2020 года «Зеленый маяк в Сан Валери, Нормандия» передает изменчивость погоды на берегу пролива Ла Манш, когда солнце сменяется кратким проливным дождем, а море приобретает глубокий изумрудный оттенок, сливаясь с нежно-персиковым небом и скрывая линию горизонта. Тонкие градации цвета, полные световых эффектов, размытые, растворяющиеся формы создают наполненную воздухом и свежестью живопись. Работы Алексея Ланцева входят в коллекции музея Абрамцево, Краснодарского краевого художественного музея и Новосибирского художественного музея.

Лот 25. Алексей Ланцев. Зелёный маяк в Сан Валери, Нормандия, 2020

Выпускница Академии им. Штиглица Виктория Иконен часто использует в своей художественной практике фотографию, однако, природные и урбанистические пейзажи ее работы пропитаны сюрреалистической иллюзорностью. Ориентируясь прежде всего на впечатление от увиденного, художница размещает узнаваемые формы в дымчатом, абстрактном пространстве.

В работе «Утренний туман» Виктория Иконен соединяет воображаемое и реальное, кажущиеся противоположностями, они часто связаны между собой в нашем сознании. Воспоминание никогда не представляет собой чистую реальность, дополненное особенностями восприятия и игрой воображения, оно приобретает неизменно синтетическую форму. Силуэт горного массива на полотне вырисовывается особенно четко на фоне физически ощущаемой влажности тумана, опустившегося на ярко-зеленую поверхность травы.

Лот 29. Виктория Иконен. Утренний туман, 2020

Вдохновившись творчеством любимых испанских художников: Франсиско Гойи, Эль Греко и Диего Веласкеса, Эдуард Мане в 1862 году создал картину «Музыка в Тюильри». Работа стала одним из первых полотен, наделенных чертами импрессионизма. Мане выступил в роли реформатора бытового жанра XIX века. Художник поэтизирует повседневную действительность, объекты быта, окружающие человека каждый день. Мане также выступает и против театрализованной композиции, поэтому и изображает людей очень близко друг к другу. Где-то силуэты персонажей сливаются, очертания лица видны нечетко. Художник стремится продемонстрировать реальное восприятия происходящего человеком. Ведь когда мы смотрим на что-то, то находящиеся рядом объекты, пропадая из фокуса, размываются. 

Эдуард Мане. Музыка в Тюильри, 1862. Лондонская Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Тенденция на подробное изображение действительности продолжается и в живописи XX века. В своих работах, пишуший в реалистической манере, Эдвард Хоппер уделяет особое внимание эстетике повседневности. Американский художник даже создает свой собственный жанр — портрет дома. Так, главными персонажами его картин становятся одинокие здания и пустынные интерьеры. Люди, изображенные на полотнах чаще всего кажутся одинокими или вовсе лишними. Например, одна из наиболее известных работ художника — «Полуночники», сюжет которой навеян закусочной в районе Гринвич-Виллидж на Манхэттене, расположенной недалеко от дома художника. Пустое кафе и немногочисленные люди вызывают ощущение одиночества, столь характерное для большого города, и одновременно таят в себе нечто мистическое. Не случайно творчество художника относят к направлению магического реализма.

Эдвард Хоппер. Полуночники, 1942. Чикагский институт искусств, Чикаго, США

Традицию Хоппера продолжает в своих работах участник творческого объединения «Сугроб» Антон Куприянов. Художник играет с человеческим восприятием, перенося зрителя в места, которые есть почти в каждом городе. Это, с одной стороны навевает теплые воспоминания, а с другой — заставляет нас обратить внимание на безлюдные или даже анонимные пространства, уютные маленькие города и их окраины, обладающие особой романтикой. Живопись Куприянова сочетает в себе черты пасмурного импрессионизма и наивного реализма, что прослеживается в созданных им урбанизированных ландшафтах и загородных пейзажах, содержащих в себе нечто магическое и порой даже непостижимое человеческому сознанию. Так, например, представленная на торгах работа «Новогодний олимп», изображает советский стадион «Олимп» в канун Нового года. «В затяжные декабрьские морозы внешний вид окраины города согревает душевным теплом большой спортивный комплекс, по новогоднему украшенный огоньками», — рассказывает о своей картине художник. Гирлянды розового цвета и светящаяся елка буквально сливаются со зданием и оживляют его, создавая впечатление чего-то теплого и родного и напоминая зрителю о детстве.

Лот 23. Антон Куприянов.Новогодний олимп, 2019

К сюжетам из повседневной жизни в своем творчестве обращается и Семен Агроскин. Работая в жанрах портрета, пейзажа и натюрморта, художник изображает будничную реальность, городские пейзажи, фрагменты советских скульптур, предметы быта и интерьеры. Для описания его живописи наиболее точно подойдет термин “stilleven”, означающий замершую жизнь. Это понятие вошло в обиход в XVII столетии. Голландские художники, в первую очередь, подразумевали под ним изображения различных предметов, которые мы привыкли называть натюрмортами (nature morte — «мертвая природа»). Понятие “stilleven” в творчестве Агроскина относится не только к натюрморту. Его живописи характерна сдержанность цветовой палитры, отсутствие большого количества деталей и избирательный подход к их изображению. На картинах художника замершими выглядят даже люди. Работа «Две фигуры» изображает безымянных персонажей на светлом абстрактном фоне. Агроскин не выделяет конкретные детали, которые позволили бы сделать вывод о том, кем являются герои или где они находятся. Невозможно даже понять во что именно одеты мужчины: в рабочую одежду или военную форму. Художник перемещает фокус с внешнего на внутреннее, рассказывает зрителю о личных переживаниях персонажей. Рассказывая о работе Агроскин отмечает, что на ней он изображает мир «на грани исчезновения, растворения и схлопывания перед неизбежным концом цивилизации».

Лот 17. Семён Агроскин.Две фигуры, 2013

Натюрморты Агроскина в большинстве случаев строятся на изображении простых вещей, которыми человек пользуется каждый день либо которые характеризуют его увлечения. Главными героями серии работ «Простые вещи» становятся книги, пряжа, старый фотоаппарат, одежда или даже ремень.

РЕАЛЬНОСТЬ В ДУХЕ ЭКСПРЕССИОНИЗМА

Если суть реализма заключалась в максимально подробном воспроизведении  действительности, то экспрессионизм, как направление, наоборот, фокусируется не на подробной передаче изображения, а на эмоциональном состоянии и ощущениях художника. Для экспрессионистической живописи характерно гротескное искажение пространства, психологизация, а также акцент на мимике и жестах изображаемых персонажей. Это прослеживается в творчестве Эдварда Мунка, Эрнста Кирхнера, Эгона Шиле и Макса Пехштейна. Несмотря на то, что экспрессионизм, как направление, зародился в первой половине XX века, его черты были заметны еще в живописи XVII века. Например, — в работах испанского художника Эль Греко. Сегодня художники, исследуя новые формы, соединяют в своем творчестве черты экспрессионизма и реализма, добавляя работам эмоциональности, играя со зрителем и вызывая у него не только воспоминания о чем-то очень знакомом, но и чувства. 

Слева: Эдвард Мунк, Крик, 1893. Национальный музей искусств, архитектуры и дизайна (Национальная галерея Норвегии), Осло, Норвегия
Справа: Эль Греко,Видение святого Иоанна, 1614. Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Пабло Пикассо. Любительница абсента, 1901. 
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

В своем искусстве Вячеслав Беречинский исследует исторические процессы с помощью личных переживаний, а дух времени напрямую отражается в характерах изображенных им персонажей. Техника работ художника отсылает нас к модернизму начала XX века, а именно — творчеству Пабло Пикассо. Например, в работе «Октябрь» можно разглядеть отсылку к знаменитой картине  «Любительница абсента». Только вместо бокала на столе героини Беречинского — кофейная чашка. Использованная художником осенняя цветовая гамма напоминает об ушедшем лете и вызывает чувство ностальгии. «Октябрь» относится к серии работ «Петроград», которая полностью состоит из женских образов. По мнению художника, все картины этого цикла «представляют, с одной стороны, сценки из повседневной жизни, с другой — наполненные символизмом и иносказательным звучанием образы».

Лот 1. Вячеслав Беречинский. Октябрь, 2022

Амедео Модильяни, Голова женщины, 1912. 
Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США.

Картина Дамира Муратова «Связанные» также выполнена в духе экспрессионизма. Изображенные художником мужские фигуры композиционно заключены в равнобедренный треугольник, а их лица, чем-то напоминающие африканские маски, отсылают зрителя к творчеству Амедео Модильяни. Экзотические мотивы повлияли на стиль изображения художника. Яркий пример этому — скульптура «Голова женщины». У Муратова экспрессивный колорит реализуется благодаря контрасту темных и светлых цветовых пятен, использованию деформированных фигур и искаженных пропорций человеческого тела. Это задает общее настроение и оставляют яркое эмоциональное впечатление. Сибирский художник Дамир Муратов транслирует в своем творчестве осмысление актуальной повестки, размышляет о природе консьюмеризма, мифическом Западном мире, вступает в диалог с художниками прошлого: как с русскими, так и с зарубежными, а также видоизменяет приемы направлений, соединяя вместе реалистические и экспрессионистические черты.

Лот 19. Дамир Муратов.Связанные, 2009

Джино Северини. Танцовщица, 1915.
Частная коллекция

Экспрессионистические черты присущи и картине Ольги Гречиной «Старт». Художница изображает «красивейший момент полного напряжения физических и духовных сил, от которого зависит не только успех или неуспех физкультурных соревнований, но и различных начинаний в научной, творческой и любой созидательной деятельности». Неоднократно обращаясь к теме спорта, Гречина делает физическое движение сюжетной основой своих произведений. Так, бегуны, стоящие на линии старта отсылают зрителя к футуристичными картинам, передающим динамику и скорость движущихся объектов. Одна из таких работ — «Танцовщица» итальянского футуриста Джино Северини. Гречина, также как и он рассматривает человеческое тело как нечто механическое, напоминающее машину и постоянно находящееся в движении.

Лот 12. Ольга Гречина. Старт, 2021

Претерпевший за долгие годы множество изменений, реализм как направление и как творческий метод остается актуальным и сегодня. С помощью него, художники критикуют актуальную повестку, рассказывают зрителю о своих эмоциональных и интимных переживаниях, воспевают красоту мгновений и вечности. Приобрести частичку реальности можно будет уже в эту субботу на аукционе VLADEY РЕАЛИЗМ!



VLADEY РЕАЛИЗМ

Аукцион 21 января, 15:00

Принять участие

К сожалению, браузер, которым вы пользуйтесь, устарел и не позволяет корректно отображать сайт. Пожалуйста, установите любой из современных браузеров, например:

Google Chrome Firefox Opera
Мы используем cookie, чтобы анализировать взаимодействие посетителей с сайтом и делать его лучше