Who run the world? GIRLS! VLADEY о 10 художницах, которые изменили искусство

22 октября пройдет первый в истории VLADEY аукцион искусства российских современных художниц GIRLS!GIRLS!GIRLS!. Цель кураторской подборки — ответить на вопрос «О чем говорят художницы в своем искусстве сегодня?». 

В течении последних десятилетий произведения, созданные женщинами, стали занимать значимое место как в музеях, так и на арт-рынке: кураторы организовывают большие персональные проекты художниц, а арт-критики активно исследуют их творчество. Однако так было не всегда. В 1971 году в журнале ArtNews вышел знаменитый текст Линды Нохлин «Почему не было великих женщин художниц?». В нем исследовательница разоблачает миф о «гении», который присущ всем, кто способен создать шедевры искусства. Стереотип гласил, что если великих художниц не было, то причина тому отсутствие «гения». Нохлин же отмечает, что главная проблема отсутствия знаковых художниц заключалась в том, что у них не было возможностей для развития карьеры — женщины не имела право работать, учиться в академии, а соответственно не могли интегрироваться в арт-среду, в том числе и в арт-рынок. 

Все изменил рубеж XIX–ХХ веков — время революционных потрясений, коснувшихся практически всех сфер жизни человека. В этот момент набирает обороты первая волна феминизма, в результате которой женщины в некоторых странах получили больше юридических прав — избирательные, на работу, обучение и развод. Это облегчило для художниц возможность официально зарабатывать и учиться. В связи с этим изменилось и общественное отношение к их деятельности. Миф «у гения мужское лицо» постепенно растворялся, а на сцене арт-мира все больше внимания стали получать художницы. Работы многих из них впоследствии войдут в коллекции ведущих мировых музеев, а их имена навсегда останутся в истории искусств. Команда VLADEY в специальном материале к торгам и одноименной выставке GIRLS!GIRLS!GIRLS! вспоминает культовых художниц ХХ века и ищет параллели с их искусством в творчестве современных авторов.

Что движет искусством? Бессознательное и интуиция!

В 1965 году художница-нонконформистка Белла Левикова нашла в работе бессознательного «неожиданное и спонтанное творческое начало, которое открыло дверь в новую систему координат». Этот метод стал основой для всего искусства художницы и подтверждением ее теории об огромных, но нераскрытых возможностях человека. В определенный период творчества Левикова поняла, что может считывать информацию как бы из внешнего пространства, предчувствуя глобальные события, происходящие на планете. 

Подобный художественный подход берет свое начало в первой половине ХХ века, когда в богемной среде были крайне популярны эзотерические и теософские идеи. Они стремительно проникали в общество не только в качестве философских и религиозных учений, но также использовались и в художественной практике. Одной из наиболее ярких художниц той эпохи, работавших с эзотерическими идеями, была Хильма аф Клинт. Ее искусство базировалось на теософии, созданной религиозным философом Еленой Блаватской. Приверженцы этого учения полагали, что существует некое древнее братство духовных учителей, с которыми люди через эзотерические практики могут держать контакт для получения тайных знаний, великой мудрости и сверхъестественных сил. Живописные произведения Хильмы аф Клинт — автоматический рисунок, выражающий идеи, полученные в результате таких теософских мистических актов. Сама художница об одной из своих работ говорила: «Картина была написана прямо “из” меня, без каких-либо предварительных эскизов и с великой силой. Я не имела никакого понятия, что картина должна была изображать, и тем не менее я работала быстро и уверенно, не меняя ни одного мазка кисти».

Хильма аф Клинт. Группа IV, Десять крупнейших, Молодость, 1907. Модерна Мусет, Стокгольм, Швеция

Белла Левикова: «Мой способ познания — самый древний — Интуиция».

Практика работы с выражением сверхчувственного и трансцендентного развивается в произведениях Беллы Левиковой также через абстракционизм, но уже в ином ключе. Художница не основывается на конкретных учениях или догмах — ее способ работы больше психологичен, нежели мистичен. Ключевой метод — интуиция, которая, например, рассматривалась известным психологом Карлом Юнгом в качестве одной из четырех основных функций человеческого мозга. Использование Левиковой интуитивного знания особенно четко раскрывается в представленной на торгах работе «Со — бытие Сознания» из серии «Дальновидение — Дистанционное восприятие событий планетарного уровня». Создавая картину, она «ожидала событий, которые должны были оказаться на холсте, и в один момент они случились. Они пошатнули стабильность, поэтому главное в работе — акцент на устойчивости, изображенный в виде пирамиды». Подобное сверхчувственное восприятие позволяет художнице как бы предугадывать то, что произойдет в будущем. Если в начале ХХ века Хильма аф Клинт стремилась постичь древнее знание прошлого, то Белла Левикова говорит в своих работах о будущем, которое вот-вот, подобно секунде в ее длительности, должно наступить.

Интересный факт: Белла Левикова стала одним из 34 авторов, чьи работы были отобраны для знаменитого аукциона Sotheby’s в 1988 году в Москве, где были успешно проданы.

Лот 17. Белла Левикова. Со — бытие Сознания из серии «Дальновидение - Дистанционное восприятие событий планетарного уровня», 2021

Абстракция как борьба

Работа с абстрактным искусством имела и другие концептуальные подходы, например, исследование функций цвета и формы. Сегодня одна из самых известных российских абстракционистов Светлана Холлис уделяет особое внимание работе с цветом как с социальной функцией. Художница полагает, что каждый оттенок имеет ту или иную коннотацию — может отсылать к определенным эмоциям и/или социальным статусам. 

Светлана Холлис: «Моя цель в живописи — встретиться лицом к лицу с тем, чего наша культура бессознательно боится и что у нее вызывает отвращение. Я много работаю с темами, которые исторически были маркированы как “женские”: яркие цвета, сильные эмоции, телесность и эротика». 

Пионерки абстракционизма также много работали с изучением цвета. Но они уделяли значительное внимание именно его формальным функциям. Например, Соня Делоне вместе со своим мужем Робером разрабатывала концепцию «движения цвета в свете». Живописная задача заключалась в изучении борьбы цвета и формы. Художники создавали произведения, в которых доминировали не линии и геометрия, а колористические конструкции. «Чистые цвета становятся плоскими и дополнительными (противоположными) в одновременном контрасте. Таким образом, впервые форма строится не с помощью светотени, но глубиной самого цвета», — замечала сама Делоне.

Интересный факт: свои произведения Соня и Робер Делоне называли «симультанными», так как они строились на цветовом контрасте. Впоследствии этот термин будут использовать дадаисты.

Соня Делоне. Ритм-цвет № 1076, 1939. Национальный центр пластических искусств/ Национальный фонд современного искусства, Париж, Франция

Холлис же работает с цветовыми контрастами в свойственной ей манере исследований социальных аспектов колористики. Так в представленном на торгах диптихе 2022 года художница рассматривает понятие «Хромофобии», введенное Дэвидом Бахелором. Он писал, что за неприятием цвета скрываются подсознательные формы сексизма. Цвет иррационален, вызывает сильные эмоции у зрителя и ассоциируется с чем-то «женским», линия же, напротив, строгая — «мужская». Холлис в связи с этим специально использует считающиеся «феминными» колорит и форму (бабочки, сердца, растения). При этом цвета в произведении она доводит до почти кислотной яркости, соседствующей с полупрозрачными оттенками. Образы же размываются до абстракции — их практически невозможно выделить на холсте. Для этого, как замечает сама художница, она «использует авторскую технику, работая на обеих сторонах холста». Холлис через живописные произведения стремится бороться со стереотипами, сложившимися в общественном сознании.

Интересный факт: Светлана Холлис участвовала в Триеннале российского современного искусства (2020), в групповой выставке в Эрмитаже (2016). А ее работы находятся в собрании МАММ.

Лот 25. Светлана Холлис. Без названия (диптих), 2022

Дневники как художественный метод

В истории искусства практика самоисследования и саморефлексии — одна из магистральных линий в творчестве многих мировых художников. Итог слияния артистического «я» с «я» личным подобен опубликованным дневниковым записям — интимен, но при этом возбуждает чувство узнавания у зрителя.

Алиса Горшенина. Кадр из видео «Древо», 2021, создано в Архангельской арт-резиденции. Источник: архив художницы.

Алиса Горшенина: «Мое творчество — самая полная биография, которую я смогла написать».

В российском искусстве эта тема в полной мере раскрывается в творчестве Алисы Горшениной, художницы из уральской деревни Якшина. Она работает с различными медиумами: от живописи и графики до текстильных скульптур и видеоарта. Для определения своей творческой практики Горшенина создала термин, особенную концепцию, которую назвала «самоискусствление». Слово говорит само за себя: ощущение себя как искусства, сближение и даже объединение жизни с творчеством. Погрузившись в самобытный символический мир, художница стирает грань между искусством и повседневностью. Горшенина имеет тесную связь со всеми своими произведениями, не давая никому «примерять» ее символы — все работы должны ассоциироваться только с ней.

Интересный факт: свои маски и костюмы Горшенина разрешает надевать только членам семьи, которые периодически участвуют в ее проектах. 

Доскональная автобиографичность, почти дневниковость творчества была свойственна и Фриде Кало —  художнице, в искусстве которой не существовало границ между ее личностью и реальным миром. Кало была полностью погружена в свое искусство. Она объединила жизнь с творчеством, подобно тому как почти век спустя это сделает Алиса Горшенина в рамках концепции «самоискусствления». После трагической автоаварии Фрида оказалась на год прикована к постели. Именно тогда она начала рефлексировать на тему границ личности, искусства и собственного «Я». Свои портреты художница писала глядя в зеркало. Помещая себя на «страницы» личного дневника, Фрида справлялась с душевной болью. Она создала вокруг себя уникальный интимный мир, ассоциирующийся только с ней.
 

Фрида Кало. Сломанная колонна, 1944. Museo Dolores Olmedo, Мехико, Мексика

Автобиографичность творчества часто связана с культурной идентичностью. Алиса Горшенина имеет очень тесный контакт с родным Уралом, он влияет на ее творчество и самоопределение. В своих проектах она говорит о внутренней широте, примеряет образы языческих богинь, обращаясь к фотоколлажу, встраивает себя в уральские ландшафты. В работе «Древо» Горшенина создает целый символический мир. Художница рассказывает: «Женщина-древо олицетворяет мою связь с местом, в котором я живу, подчеркивает важность связи моего искусства с природой.Женщина-древо также говорит о моих корнях, каждая ветка — это отдельная грань сложного созвездия генов».

Лот 10. Алиса Горшенина. Древо, 2022

Национальная идентичность и привязанность к родному краю — важная характеристика и для творчества Фриды Кало. На своих портретах она почти всегда одета в национальный костюм, а фоном зачастую служат широколистные растения, цветы и тропические животные. Ее работы противоположны прополитическому общественному искусству Мексики того времени — они сосредоточены на личных переживаниях художницы, и являются, по сути, способом коммуникации с миром.

Исследования телесности

После потрясений ХХ века — двух Мировых войн и революций, художники начали обращать особое внимание на работу с человеческим телом как с одновременно чем-то стойким, живучим и хрупким, но при этом подверженным болезням и смерти. И сегодня эта тема остается актуальной в связи с развитием медицины, психологии, социологии и феминистского движения. Обращение к человечеству и прогрессу — магистральная линия искусства Елены Артеменко. А в работе из новой серии «(Не) сопротивление материала» главным предметом исследования художницы становится человеческое тело, подвергающееся насильственному влиянию. Визуальная основа ее мраморной скульптуры — поролон — материал, который при воздействии внешних сил всегда возвращается в свою изначальную форму. Задача Артеменко заключалась в том, чтобы зафиксировать то само измененное состояние материала. Поролон выступает здесь в качестве метафоры тела, которое практически всегда способно к восстановлению. При этом любое насилие оставляет свои следы, которые могут быть незаметны внешне, но чувствоваться самим человеком. Создавая объекты серии художница стремиться как бы зафиксировать те отпечатки, которые остаются внутри человека, пережившего насилие.

Елена Арменеко: «Какова должна быть сила воздействия, чтобы тело перестало распрямляться и застыло?»

Лот 21. Елена Артеменко. (Не)сопротивление материала, 2019-2022

С схожими темами работала и Луиза Буржуа. Однако если произведения Артеменко направлены на коллективный опыт, то Буржуа работала с личными переживаниями. Как говорит сама художница: «Я родилась 25 декабря 1911-го в Париже. Все мое творчество на протяжении последних 50 лет, сюжеты моих работ — все берет свое начало в моем детстве». Среди тем в ее искусстве также прослеживаются исследования гендерного неравенства, политики и семейных отношений. При этом в каждой из тематик сохраняется одна магистральная линия — работа с опытом насилия и сопротивление ему. Одна из самых известных работ художницы «Разрушение отца» — инсталляция, состоящая из схожих с камнями фигур, окружающих нечто вроде алтаря, на котором расположены фрагменты тела. Они символизируют патриархат, а, по замечаниям некоторых искусствоведов, также и отца Луизы Буржуа, который был деспотом. Художница показывает как нечто рожденное в условиях насилия способно на кровожадное уничтожение деспотизма. И если в «Разрушении отца» автор стремится зафиксировать процесс уничтожения насилия через его следы, то Артеменко действует иначе. Мраморные объекты, выполненные в эстетике минимализма, словно тихим шепотом говорят о невозможности избавиться от внешних воздействии силы на души и тела.

Луиза Буржуа. Разрушение отца, 1974. Источник: Wallpaper

Критическое осмысление традиций

В 1990-х годах в искусстве произошел «этнографический поворот». В этот момент художники, критики и кураторы обратились обратились к исследованиям национальной идентичность и проблемам колониализма. На арт-сцене стали активно появляться художницы, связанные с культурой востока, многие из которых работали с образом женщины в исламских религиях. Одна из наиболее ярких представительниц этого направления в России — Айдан Салахова. Гендерная и социальная идентичность, обращение к религиозному и традиционному символизму, отношения Востока и Запада, вопросы желанного и запретного, свобода творческая и свобода личная — важнейшие темы для изысканий художницы начиная с 1990-х годов.

Айдан Салахова в мастерской. Архив музея «Гараж»

Примерно в это же время в Великобритании художница палестинского происхождения Мона Хатум создает перформансы, инсталляции и объекты, также исследуя образ женщины в восточной культуре. В основе ее работ 1990-х годов лежат повседневные предметы и объекты религиозного назначения. Так в 1995 году художница создает арт-объект специально для Стамбульской биеннале. Работа визуально имитирует молитвенный коврик — саджжаду. При этом само произведение полностью покрыто тысячами никелированных латунных булавок, а в центре работы расположен компас, позволяющий ориентироваться в направлении Мекки — главной мусульманской святыни. В «Молитвенном коврике» Моны Хатум ирония сочетается с тонким пониманием символических качеств предмета. Беря за основу исследование неотъемлемой части своей культурной идентичности художница обращается к тем чувствам, что она пережила, видя действия религиозных запретов.

Мона Хатум. Молитвенный коврик, 1995. British Council Collection, Лондон, Великобритания

Представленная на торгах работа Айдан Салаховой из серии «Персидские миниатюры» — визитная карточка искусства художницы. Провокация здесь сочетается с изящными художественными приемами. Изначально серия была начата в виде личных зарисовок в блокноте, которые трансформировались в утонченную графику. Как пишет арт-критик Елена Федотова, «на строгих листах, где солируют черное, белое, красное и золото, проявляются даже не изображения, а скорее знаки, в которых только угадываются касания тонких рук…». В представленной работе 2012 года мы видим лишь руки — единственную часть тела не закрытую паранджой. В произведении, как и на других листах серии, нет обнаженной натуры. Провокация здесь заключается в метафоричности — тайне скрытого эротизма чувственных рук.

Лот 14. Айдан Салахова. Из серии «Персидские миниатюры», 2012

Великие художницы были и есть! Они создают новаторские концепции и открывают для искусства новые приемы и техники. В пространстве VLADEY до 30 октября работает выставка GIRLS!GIRLS!GIRLS!, где можно увидеть актуальное искусство российских художниц. А 22 октября приглашаем вас присоединиться к одноименному аукциону и побороться за представленные на выставке шедевры за авторством как молодых, так и уже вошедших в музейную историю художниц.

GIRLS!GIRLS!GIRLS!

22 октября, 15:00

Принять участие