VLADEY 20+20: История российского современного искусства

27 ноября 2020

 

28 ноября VLADEY проведет аукцион «20+20», на котором будет представлено двадцать лотов с эстимейтом и двадцать лотов со стартом €100. Сорок произведений искусства — сорок историй художников-звезд. Будем внимательны к шедеврам искусства. Они остаются в истории. У нас же есть привилегия всматриваться и наслаждаться, думать и проживать момент встречи с прекрасным.

VLADEY вместе с вами: вспоминаем историю и оцениваем знаки времени.

 

ШЕСТИДЕСЯТЫЕ

Шестидесятые годы ознаменовались большими переменами не только в политической жизни страны, но и в художественной. С одной стороны, постепенная смерть сталинского искусства как жанра позволила художникам искать новые творческие ориентиры. Так, некоторые обратились к прошлому отечественного искусства, к авангарду, а некоторые стали исследовать то, что происходит в художественной жизни Запада. С другой стороны, разгром Хрущевым выставки в Манеже в декабре 1962 года показал, что надеяться на абсолютную свободу творчества еще рано и заставил неофициальных художников вновь вернуться в подполье. К числу тех, кто принадлежал в 60-е годы к андеграундным художественным сообществам, был Игорь Макаревич, активный участник выставок московского концептуализма. В своем творчестве он переосмысляет русский авангард, соединяя его с символами советского быта, а также авторской мифологией. Художник-нонконформист Владимир Яковлев в 60-е вдохновляется искусством ташизма, увиденным им на VI Всемирном фестивале молодёжи и студентов, который прошел в Москве в 1957 году. Именно тогда техника интуитивного, бессознательного рисования ложится в основу его творчества и позволяет художнику в дальнейшем найти свой неординарный фигуративный стиль, сочетающий элементы беспредметности, экспрессионизма и примитивизма. 

Слева: Лот 28. Игорь Макаревич. Натюрморт, 1960. Эстимейт: €6,000 — €8,000.
Справа: Лот 12. Владимир Яковлев. Два голубых цветка, 1968. Эстимейт: €5,000 — €7,000.

В 1960-х годах поиски «настоящего» искусства занимают Франциско Инфанте-Арана, художника, впоследствии ставшего классиком российского лэнд-арта и кинетического искусства. Творческие искания Франциско Инфанте интересны тем, что совмещают в себе две противоположные тенденции, характерные для отечественного искусства 60-х годов: это и обращение к истории своей страны, и выход за ее пределы, исследования иностранного и, в частности, западного. В 1963 году Инфанте знакомится с идеями Казимира Малевича, которые приводят его к изучению процесса движения объектов в пространстве, а также формы спирали, которую можно увидеть на представленной работе из цикла «Точка в своем пространстве» 1964 года. Тогда же Франциско Инфанте-Арана находит в Библиотеке Иностранных Языков заграничные журналы с репродукциями западного искусства. Работы в технике ташизма и минимал-арта становятся для художника символом современного искусства нового времени и вдохновляют его продолжать свои поиски и двигаться дальше. Работа из цикла «Точка в своем пространстве» относится к этому духоподъемному периоду, когда мир искусства открывается перед художником во всем своем многообразии, когда он находит идеи и техники, определившие все его дальнейшее творчество. Работа Инфанте загадочна: здесь точка разворачивается в целую спираль или же, наоборот, спираль сворачивается в одну точку. В этом процессе заключается движение, которое словно затягивает и самого зрителя внутрь, приближает его к тому далекому лимонно-желтому, а затем белому центру круга, настолько сияющему и яркому, что, кажется, ослепляющего своим светом. Такая композиция для Франциско Инфанте-Арана — символ бесконечности вселенной, ее таинственной непознаваемости, которая так притягивает художника.

Лот 19. Франциско Инфанте-Арана. Из цикла «Точка в своем пространстве», 1964. Эстимейт: €15,000 — €20,000

В 1964 году художник-нонконформист Дмитрий Плавинский отправился в путешествие по Молдавской ССР, чтобы изучать местную культуру, искусство и памятники архитектуры. В своем творчестве он часто обращался к истории древних цивилизаций, к их символам и изобразительным традициям. Копируя старинные фрески, изучая различные техники письма и духовные практики, Плавинский из останков ушедших культур создает собственную мифологию, которой позже дает название — «структурный символизм». Сам он говорил: «Структуризмом проникнуто все: пишет ли художник картины, изучает ли окаменевшие раковины, рассматривает ли гриб, кору, насекомых, — везде он ищет эту удивительную ритмичность разнообразных структур…». Представленная на торгах работа «Молдавская надгробная плита» 1964 года стала итогом исследования местной погребальной культуры. Молдавские мастера славились умением искусно работать с камнем и деревом, на которых вырезали разнообразные символы, отсылающие как к восточно-православной иконографии, так и к западной христианской традицией религиозной скульптуры. Имитируя этот стиль, Дмитрий Плавинский создает упрощенные, словно вырезанные на камне, изображения божественных образов: ангелов, херувимов, распятие. Интересно, что канонические религиозные сюжеты соседствуют здесь с неканоническими, взятыми из народных преданий и легенд. Занимаясь такой «культурной археологией», синтезируя разнообразные культуры и верования, Плавинский создает особый магический мир символов, далекий от советской действительности.

Лот 25. Дмитрий Плавинский «Молдавская надгробная плита», 1964. Эстимейт: €15,000 — €20,000

 

СЕМИДЕСЯТЫЕ

1970-е годы для отечественного искусства стали, во многом, поворотным десятилетием. В 1974 году состоялась знаменитая «Бульдозерная» выставка — неофициальное событие, где были представлены работы художников-нонконформистов. Участники выставки были арестованы милицией, а их работы уничтожены бульдозерами. За международным скандалом последовала «Измайловская» выставка, которая была уже официально разрешена советскими властями, а в 1977 году на Венецианской биеннале прошла выставка, которая стала известна как «Биеннале диссидентов» — в павильоне России были представлены произведения всех ключевых представителей неофициального искусства СССР. Событие вызвало негодование советских властей и привлекло внимание со стороны мирового художественного сообщества. Характеризующиеся в истории России «застоем» 1970-е для отечественного искусства стали тем периодом, когда андеграундное искусство перешло в статус неофициального и стало формировать не оппозиционную, а альтернативную культуру, которая постепенно вытесняла культуру государственной идеологии. Ярким примером такой смены парадигмы становится «метафизический» период, вдохновленный философией экзистенциализма, в творчестве классика советского неофициального искусства Бориса Орлова. На торгах представлена его скульптура «Лошадь» 1971 года, характерная для этого периода.

Слева: Афиша «Биеннале диссидентов», 1977. Собрание Музея современного искусства «Гараж». Источник: russianartarchive.ru
Справа: Лот 20. Борис Орлов. «Лошадь», 1971. Эстимейт: €12,000 — €15,000


Среди художников, для которых 1970-е стали переломным периодом, особое место занимает Оскар Рабин. Ключевая фигура «Лианозовской группы», участник всех ключевых событий — и «Бульдозерной» выставки, и «Биеннале диссидентов» — Рабин не смог смириться с жестокостью и невежеством советской власти, уничтожавшей непонятное и неугодное ей искусство. В 1978 году художник со своей семьей эмигрирует во Францию. Осмысление и ожидание этого события отражается на всем его творчестве в образах летящих, падающих, перевернутых избушек. Впервые они появляются на холстах художника в 1975 году, и достигают своего апогея в 1977 году, когда Рабин пишет представленную на торгах работу «Вечер № 692». Разбросанные, как детские игрушки, на фоне тревожного пейзажа перевернутые домики — символ вынужденной оторванности от Родины, в которой художник стал чужим. Образ бесконечно трагичный и беспокойный, в нем выразились весь страх и решительность человека прощающегося, пронзительное чувство несправедливости и хрупкой надежды на лучшее.

Лот 24. Оскар Рабин. «Вечер №692», 1977. Эстимейт: €12,000 — €15,000

Наряду с нонконформистским движением, в СССР творили художники, формально вписывающиеся в официальную социальную систему. В основном, это была творческая интеллигенция, которая, в отличие от радикального разрыва с окружающей действительностью нонконформистов, в своем искусстве избрала путь «внутренней миграции». Ярче всего это выразилось в явлении «Левый МОСХ», одной из ключевых представительниц которого стала Наталья Нестерова. В 1970-е годы художница уже сформировала свой узнаваемый живописный язык, вдохновленный примитивистским искусством — условность в цветах в сочетании с четким отделением предметов и фона друг от друга, выполненные обильным пастозным мазком. В повседневных, обыденных «соцреалистических» сюжетах вдруг прорывается таинственная, мистическая и трагическая реальность: люди-манекены с масками вместо лиц словно участвуют в каком-то карнавале, их позы неестественны, они отчуждены друг от друга, их общение — всего лишь исполнение предписанной роли. Однако в этой механической реальности есть и счастливые просветы, например — детство, радость которого, пусть даже только в воспоминании, Нестерова сохраняет всю свою жизнь. Именно такое светлое чувство изображено на представленной на торгах работе «Горная коза в зоопарке» 1971 года — периода, сделавшего ее знаменитой в московской художественной среде.

Лот 27. Наталья Нестерова. «Горная коза в зоопарке», 1971. Эстимейт: €10,000 — €15,000

 

ВОСЬМИДЕСЯТЫЕ

1980-е годы в истории России делятся на две, почти равные части — первая половина характеризуется «застоем», а со второй половины начинается период «перестройки». Массовая эмиграция конца 70-х приводит к значительному сужению круга неофициальных художников, что, в свою очередь, приводит к большему сосредоточению на концептуальных и изобразительных основаниях творчества разных сообществ. С началом перестройки произошел взрыв художественной активности по всей стране, в ситуации отсутствия какой-либо генеральной стратегии молодые художники начали активно искать и пробовать самые разные художественные модели. В Москве появляется «Инспекция “Медицинская герменевтика”», в Санкт-Петербурге работают Новые художники и Некрореалисты, в Ростове-на-Дону — товарищество «Искусство или смерть», из которого выходит, в том числе, Валерий Кошляков, представленный на торгах работой, созданной в 1989 году.

 

В 1988 году проходят первые торги Sotheby’s в Москве, где за беспрецедентные суммы продаются работы ключевых представителей советского неофициального искусства. Многих из художников-участников, эти торги сделали в одночасье знаменитыми во всем мире, в том числе — Леонида Пурыгина. «Гений из Нары» как он сам себя определял, Пурыгин представляет редкий пример отечественного «наивного» художника, добившегося широкого признания при жизни и оказавшего значительное влияние, в том числе, и на творчество «профессионалов». После успеха на торгах 1988 года художник эмигрирует в США, где долгое время живет и работает, пользуясь невероятным успехом. В работах Пурыгина находит отражение его самобытное видение мира, обусловленное сложной и насыщенной личной биографией. Гротескные персонажи, населяющие его сказочные картины, всегда рассказывают о внутренних переживаниях автора. Так и в представленной на торгах работе, созданной в переломные для художника 1980-е годы, в иносказательной полумистической форме иллюстрируется, в том числе, творческое и экзистенциальное одиночество Пурыгина — та вымышленная «пустынь мира», в которой существовал он и его герои на протяжении всей жизни.

Лот 26. Леонид Пурыгин. Без названия, 1980-е. Эстимейт: €6,000 — €8,000

Насыщенные художественными открытиями и событиями 1980-е, ставшие для молодого поколения художников временем взлета, а для старшего — мировой известности и включения в систему рыночных отношений, для многих авторов ознаменовали лишь новый контекст для их долгие годы выстраиваемых художественных стратегий. Таким художником был классик советского абстракционизма Юрий Злотников. Разработав на рубеже 1950–1960-х годов концепцию «Сигнальных систем», художник в дальнейшем продолжал работать в этом направлении, исследуя коммуникацию как визуальный феномен. В 1980-х его работы приобретают бо́льшую живописность, которую иногда сравнивают с абстрактным экспрессионизмом, однако композиции Злотникова остаются тщательно, детально продуманными. Более экспрессивные мазки изменяют лишь пластическую форму, концептуально оставаясь в рамках научной и философской обоснованности, которой характеризуются работы художника. На торгах представлена «Композиция №35» — блестящий пример «экспрессивного» периода в творчестве Юрия Злотникова конца 1980-х годов.

Лот 30. Юрий Злотников. «Композиция №35», 1989. Эстимейт: €4,000 — €6,000  

 

ДЕВЯНОСТЫЕ

Конец XX века ознаменовался в российском искусстве активным поиском национальной идентичности, а также борьбой за место на мировой арт-сцене. Девяностые — это время ярких, а иногда даже безумных, перформансов, эпатажных жестов и открытого вызова обществу. Кроме того, именно в эти годы появляется феномен интернационального художественного сообщества, что позволяет российским художникам занять свое место на общемировой арт-сцене.

Одна из самых известных акций 90-х: «Леопарды врываются в храм». Галерея OVCHARENKO (до 2018 — Риджина). Москва, 1992

В 1993 году у неоакадемиста Тимура Новикова проходят первые персональные выставки за границей. Одна из них состоялась в музее Стеделийк в Амстердаме, а другая — в Кунстхалле в Дюссельдорфе. Вскоре о художнике и студентах его Новой Академии, начинают говорить по всей Европе, а их работы попадают на страницы художественных журналов, а также на стены именитых музеев искусств. Представленная работа «Святой мученик Николай II» 1998 года относится к периоду, когда творчество Тимура Новикова несколько трансформируется: меняется цвет и выделка ткани, что делает работы более парадными, эффектными, а пейзажные сюжеты уступают место одному центральному образу, который словно парит в пространстве. Художник обращается к историческому прошлому и в тканевой аппликации воплощает романтический образ императорской власти. При этом сама фигура, облаченная в роскошный кафтан, предстает скорее сказочной, чем реалистичной, словно все происходящее — это одно волшебное утопическое торжество.

Лот 14. Тимур Новиков «Святой мученик Николай II», 1998. Эстимейт: €15,000 — €20,000

 

НУЛЕВЫЕ

В «нулевые» ситуация в современном искусстве меняется кардинально: оно выходит из разряда «маргинального» и институциализируется. Самоорганизованные сквоты сменились площадками для экспонирования современного искусства. В 2004 году открывается Государственный центр современного искусства с филиалами по всей России. ГЦСИ учреждает премию «Инновация», лауреатами которой в разные годы были Сергей Братков, Олег Кулик, Игорь МакаревичБорис Орлов и Оскар Рабин, и Уральскую индустриальную биеннале современного искусства, участие в которой принимали Кирилл Макаров, Павел ПепперштейнСлава Птрк и Анна Черепанова. Знаковые работы всех вышеперечисленных художников представлены на торгах «20+20».

В это десятилетие учреждаются самые знаковые мероприятия и институции в сфере современного искусства: Московская биеннале современного искусства, Московская международная биеннале молодого искусства, Центр современного искусства «Винзавод», где обосновались ключевые столичные галереи, и Музей современного искусства «Гараж», наиболее активная деятельность которого пришлась на «десятые».

Лот 5. Олег Кулик. Крусификшн. Ночь, 2005. Старт €100

Одну из ведущих ролей в развитии российского современного искусства на изломе двух столетий сыграла художница Айдан Салахова. В своей мастерской на Новопесчаной улице Айдан показывала пост-концептуализм и неоакадемизм, организовывала выставки Тимура Новикова, при этом никогда не переставая творить. Именно такой образ девушки — с одной стороны, утонченной светской дамы, а с другой — галеристки, знающей свое дело, — лег в основу ее картины «Лиза» 2004 года. Двойственность этого образа решена композиционно: обнаженная фигура натурщицы, выполненная в эскизной манере, контрастирует с гризайлью как бы застывшей мраморной статуи. За счет этой антитезы Салаховой, интерпретирующей классические живописные каноны, удается в статичном портрете и монохромной палитре сохранить живость образа и динамику сюжета. 

Лот 15. Айдан Салахова. Лиза из серии «Антонимы», 2004. Эстимейт: €12,000 — €18,000

Страница истории российского современного искусства, следующая за московским концептуализмом, неразрывно связана с «Инспекцией “Медицинская герменевтика”» и фигурой Павла Пепперштейна. «Медгерменевты» стояли особняком от арт-сцены конца 80-х и 90-х, оставаясь, тем не менее, одними из наиболее активных ее участников. Не стремясь добиться внимания публики, они работали только с тем, что интересно им самим. В круг этих тем входили табуированные в культуре вопросы обсценной лексики и психотропных веществ. Отсюда — эскапизм и психоделия, ставшие неотъемлемыми характеристиками сольного творчества Павла Пепперштейна периода после распада группы в 2001 году. Сам художник определяет направление, в котором работает, как «психоделический реализм». Ярким воплощением этого подхода можно считать работу Павла «Строители города Россия» 2007 года. Коренной москвич, Пепперштейн остро переживает уничтожение исторического облика Москвы и Санкт-Петербурга. Попыткой справиться с этой травмой стала масштабная живописная серия «Город Россия», в которой художник предлагает основать город-квинтэссенцию лучших достижений российской культуры. Вводя в иконографию сказочных и инопланетных существ, Пепперштейн как бы переформулирует национальную идею, в рамках которой изображенный на картине рептилоид становится не менее русским, чем его коллега по цеху.

Лот 16. Павел Пепперштейн. Строители города Россия, 2007. Эстимейт: €20,000 — €30,000
 

ДЕСЯТЫЕ

«Десятые» годы связаны с попыткой систематизировать и осмыслить историю российского современного искусства как институционально, так и в выставочной практике. В 2012 году Музей современного искусства «Гараж» основал архив российского современного искусства, важными аспектами деятельности которого являются каталогизация и оцифровка артефактов, относящихся к истории современного искусства. Через пять лет Музей учредил Триеннале российского современного искусства, которая представляет собой глобальный срез актуальных художественных практик страны. Расцветают локальные культурные институции и арт-группы, задающие вектор развития современного искусства своих регионов. В 2011–2012 году были основаны Краснодарский институт современного искусства (КИСИ) с Центром современного искусства «Типография»; в 2013 году открылся Центр современного искусства «Заря» во Владивостоке, а в Санкт-Петербурге была открыта теоретико-практическая исследовательская база и основанная на ней арт-группа «Север-7», одним из ярчайших представителей которой является художник Леонид Цхэ

Лот 23. Леонид Цхэ. Две фигуры, 2019. Эстимейт: €6,000 — €8,000

Открытие экспериментального института «База» Анатолием Осмоловским и Светланой Басковой в 2011 году ознаменовало собой новый поворот в образовании в сфере современного искусства. Помимо преподавательской и научной практики, куратор и теоретик Анатолий Осмоловский продолжает вести и художественную деятельность, но в совсем новом ключе. Провокационные акции движения «Э.Т.И.», перформанс «Маяковский — Осмоловский» и сенсационный проект «Леопарды врываются в храм» остались в 90-х. На смену им пришла идея автономного произведения — объекта из дерева или бронзы, имитирующего предметный мир. Для создания скульптуры Осмоловский использует различные формы: грецкого ореха, остатков конфет, башней танков и, наконец, хлеба. Представленная на торгах работа 2010 года продолжает серию «Хлеба», начатую в 2007-м. Художник повторяет структуру хлеба в дереве, но упорядочивает характерные для нее пустоты и вводит в хаотичную по природе конфигурацию симметрию. Благодаря этому через композицию начинает проглядывать человеческий образ, по своей напряженности и драматизму близкий русской иконе. Так Осмоловский демонстрирует преемственность российской художественной традиции.

Лот 22. Анатолий Осмоловский. №6 из серии «Хлеба», 2010. Эстимейт: €8,000 — €12,000

Диаметрально противоположную образность разрабатывает в своем сольном творчестве Александр Виноградов. Центральное место в живописи суперзвезды российского современного искусства, чьи совместные с Владимиром Дубосарским выставки проходили в Российском павильоне 51-й и 53-й Венецианской биеннале, занимают размышления о вечно меняющемся и ускользающем от нашего понимания мире. Эти размышления визуализируются на картинах в виде различных отражающих поверхностей: витрин, зеркал, воды, на которых и строится образный ряд произведений. Работа «Сэлфи» 2017 года — не исключение. С одной стороны, она является концептуальным продолжением «подводной» серии дуэта, с другой, — задает новое, критическое, измерение в творчестве Виноградова. Тем не менее, даже в высказывании о крахе утопии XX века и перекалибровке ценностных ориентиров, автор не изменяет присущей его манере мягкости как в цветовой палитре, так и в трактовке форм.

Лот 13. Александр Виноградов. Сэлфи из серии «Paradiso Ideale», 2017. Эстимейт: €10,000 — €15,000
 

ДВАДЦАТЫЕ

2020 год подарил отечественной арт-сцене множество новых имен. Это, например, участники Триеннале российского современного искусства: Юля Шафаростова, художница из Краснодара, создающая графические работы, в которых мифологизирует повседневную действительность, или же Владимир Абих, стрит-артист из Екатеринбурга, пятикратный номинант премии Сергея Курёхина. Стремительно растущий интерес к уличному искусству поддерживают Слава Птрк, в своих работах иронично рассуждающий об окружающей нас социальной и политической реальности, художник из Волгограда Philippenzo, создатель техник 3D-живописи, обращающийся к теме коллективных переживаний через знакомые всем образы, а также московский стрит художник Кирилл Лебедев (Кто), творчество которого узнаваемо по ярким буквам, которые составляют ироничные, но при этом глубокие высказывания.

Слева: Лот 3. Слава Птрк. By the Wall из серии «Одиночество», 2020. Старт €100.
Справа: Лот 8. Кирилл Макаров. Без названия, 2020. Старт €100.

События 2020 оказали огромное влияние на все мировое сообщество и уже нашли отражение в творчестве многих художников. Классик современной фотографии Сергей Братков также ухватил образ новой пандемической реальности. В 2000 году фотограф переехал в Москву, и с тех пор столица стала постоянным участником его репортажей и проектов. В каждом из них художник отмечает изменения города и его жителей, трансформацию настроений в обществе. Братков нередко с иронией подмечает несовершенства и абсурд современного мира. Так происходит и в работе «Масквичи» 2020 года. Фотография отсылает ко ставшим уже классикой проектам «Уехать, забыть» и «Следующая Баррикадная», пространством которых также является метро. Представленная работа показывает, как ситуация, казавшаяся еще совсем недавно непривычной и аномальной, постепенно стала нормой. На снимке поймана новая реальность, правила которой не мешают смотреть на мир с юмором.

Лот 21. Сергей Братков «Масквичи», 2020. Эстимейт: €9,000 — €11,000


 

VLADEY 20+20

Аукцион 28 ноября 15:00

Смотреть каталог торгов

К сожалению, браузер, которым вы пользуйтесь, устарел и не позволяет корректно отображать сайт. Пожалуйста, установите любой из современных браузеров, например:

Google Chrome Firefox Opera
Мы используем cookie, чтобы анализировать взаимодействие посетителей с сайтом и делать его лучше