Как это было? Соцреализм

Искусство в СССР рассматривалось советской властью как управляемая часть общегосударственного проекта по строительству нового общества. Решающим шагом на этом пути было постановление Политбюро ЦК ВКП(б) от 23 апреля 1932 года «О перестройке литературно-художественных организаций». В прошлом оставались многочисленные художественные общества, объединения и группировки, на протяжении пятнадцати послереволюционных лет постоянно возникавшие, распадавшиеся и вновь сливавшиеся, громкие манифесты, радикальные декларации и программы вселенского переустройства. Принятый документ обязывал представителей всех творческих профессий – писателей, музыкантов, композиторов, художников, архитекторов, «поддерживающих платформу советской власти и стремящихся участвовать в социалистическом строительстве», — объединиться в Союзы советских писателей, советских художников, архитекторов и так далее. При каждом Союзе организовывалась коммунистическая фракция для руководства его деятельностью.

Постановление «О перестройке литературно-художественных организаций». Источник: 1000dokumente

В это же время мастерам искусств был предложен новый творческий метод, которому они должны были неукоснительно следовать, — социалистический реализм. Его главная цель состояла в том, чтобы отражать действительность не по прихоти художника — любую и всякую, подчас неприглядную (вспомним передвижников) —, а писать реальность ее революционном развитии. Другими словами, художник должен был, опережая реальную жизнь и даже не избегая идеализации настоящего (в «хорошем, материалистическом понимании этого слова», как писали в 1930-е годы) уметь разглядеть в ней вырисовывающиеся очертания нового социалистического будущего.

 Стране, которая в это время начала разворачиваться от идеалов мировой революции в сторону утверждения ведущей роли государства во всех сферах жизни, требовался величественный фасад, оформлять который предстояло искусству. На нем в строгой иерархии выстраивались герои недавнего революционного прошлого и столь же героического настоящего — венчали эту пирамиду мудрые вожди, следом за ними шли отважные покорители Арктики, летчики и полярники, рядом с ними — ударники и передовики труда на заводах, фабриках и в колхозах. Часть этого пантеон отражают работы Георгия Мотовилова «Портрет крестьянина» и «Максим Горький». Интересно, что оба произведения были созданы за несколько лет до официального учреждения соцреализма.

Лот 86. Георгий Мотовилов. Портрет крестьянина, 1925
Лот 87. Георгий Мотовилов. Максим Горький, 1929

Кто еще входил в пантеон соцреализма? В первую очередь это передовики и ударники труда, комсомольцы и воины. Эталонный пример — картина Марка Клионского «Комсомольцы» или «Боевые друзья». Ее сюжет впоследствии разошелся в тиражах открыток и плакатов. Как мы видим — ни в чем не уступали мужчинам «в труде и в бою», равные им подруги. В работе Клионского — комсомолка и работница изображены рука об руку с мужчинами-красноармейцами.

Лот 83. Марк Клионский. Комсомольцы (Боевые друзья), 1957-1959

В будущее устремлялась и крепкая молодежь новой формации, увлеченная спортом и учебой. Этих героев можно найти в работе Александра Дейнеки «Боксеры». Его спортсмены воплощают собой идеал нового советского человека — здорового физически и духовно, позитивного, целеустремленного, полного сил и энергии для строительства нового мира.

Лот 78. Александр Дейнека. Боксеры, 1927

Задача воспитания новых художественных кадров встала перед Академией художеств СССР, организованной в 1947 году. В основу академического учебного процесса легли программы Императорской Академии художеств, вновь устанавливались четкие критерии мастерства и стандарты исполнения художественных произведений. Академические правила, тем не менее, не исключали использования приемов пленэрной живописи, которые позволяли многим художникам, в том числе и мэтрам соцреализма, демонстрировать свое мастерство.

Здание Академии художеств СССР, 1951. Источник: academia.rah

Не будем забывать и о том, что искусство, как и жизнь, невозможно уложить в одно, пусть даже очень широкое русло установленных свыше правил. Помимо основного потока, оно всегда движется по множеству рукавов, протоков, ручейков, подпитывается скрытыми от глаз источниками. В советской действительности время словно бы уплотнилось, и в ней, наряду с новыми героями и именами, оказались младшие современники Льва Толстого и ровесники Антона Чехова, ученики Алексея Саврасова, Василия Перова, Исаака Левитана и Валентина Серова. Они смогли продолжить лучшие традиции русского реалистического искусства ХIХ века, русского импрессионизма и искусства Серебряного века. Большинство из них могли увлекаться новыми «измами», оглядываться на старых мастеров, но в целом они искренне продолжали любить натуру как таковую, во всем богатстве ее проявлений, каждый раз находя адекватные для ее выражения средства. Одним из таких живописцев был Аркадий Пластов, ученик Ильи Машкова, Абрама Архипова и Апполинария Васнецова, связавший свою долгую творческую жизнь с родной крестьянской Прислонихой на Волге.

Лот 80. Аркадий Пластов. Лето, середина 1950-х

Трепетно относился к натуре и Александр Любимов. Он был большим мастером и одним из основателей ленинградской школы живописи. В частности именно благодаря нему традиция пейзажа была полноценно продолжена. Среди его учеников были Александр Дейнека, Юрий Непринцев, Алекасандр Лактионов и другие известные мастера. Умиротворяющий пейзаж Любимова «У озера» — каноничный пример традиции русского лирического пейзажа.

Лот 81. Александр Любимов. Пейзаж (У озера), 1939

В послевоенный период сложилась эффективная система финансирования и продвижения искусства в обществе. Одной из ключевых институций в это время становится Художественный фонд СССР (1940–1991) — общественная организация при Союзе художников, в ведении которой находились предприятия, мастерские и комбинаты, обеспечивавшие художников всем необходимым, начиная от кистей и холстов и заканчивая организации выставок и заключением договоров с заказчиками. Параллельно было создано Главное управление изобразительного искусства при Комитете по делам искусств (1936–1953), которое позднее сменила Государственная закупочная комиссия Министерства культуры СССР (1953–1991). В сферу ответственности этих государственных учреждений входило составление тематических планов художественных выставок, заключение договоров с художниками и приобретение произведений для последующей передачи музеям. Членство в Союзе художников СССР открывало доступ к заказам, командировкам по всей стране, работе на творческих дачах, тематических семинарах и в конечном итоге к участию в выставках.

Художники в доме творчества «Майори», 1957. Источник: Arzamas, Российский государственный архив литературы и искусства

Время продолжало вносить коррективы в искусство и Первый съезд Союза художников СССР (организован в 1939), проходивший в начале 1957 года, откликнулся на решения недавно состоявшегося ХХ съезда КПСС, особенно в той части, где речь шла «о разнообразии форм перехода к социализму». Применительно к изобразительному искусству это подразумевало многообразие творческих методов в соцреализме, расширение его границ.

Статья о Первом съезд Союза художников СССР в газете «Советская культура», 1957. Источник: portal-kultura

Начиная со второй половины 1940-х все большую популярность стали приобретать произведения-антиподы «большого стиля» — камерные по-преимуществу, намечавшие противоположный полюс социалистического реализма. Это были картины, представлявшие современный быт, буквально собранный из множества конкретных, узнаваемых и занимательных деталей. Часто героями таких работ становились дети. Уходя от общественно-значимой, производственной или социальной тематики, художники приоткрывали вход в частное, индивидуальное пространство. Чтобы создать настроение приватности, живописцы помещали сцены домашнего досуга в пространство, как правило, отгороженное, укрытое от внешнего мира. В фокусе художников — их ближний круг, прежде всего, семья, знакомые, близкие и дорогие лица, ясный, обжитой и светлый мир. Яркий пример этого жанра работа Надежды Удальцовой — на картине 1952 года она пишет трогательную сцену со своей внучкой, играющей в конструктор.

Лот 84. Надежда Удальцова. Портрет внучки, 1952

Следующий этап развития официального искусства в СССР — «Суровый стиль», сформировавшийся на рубеже 1950–1960-х годов. По мнению ряда художественных критиков, он стал последний фазой соцреализма — «мощной и в то же время обреченной попыткой его очищения и облагораживания»[1]. «Суровый стиль»  объединил многих представителей послевоенной генерации художников, чей личный жизненный опыт внес драматические краски в сложившуюся картину соцреализма. В творчестве, как и в жизни, они превыше всего ценили искренность, честность и правдивость. Важнейшей целью для них стало очищение искусства от глянца триумфальности позднесталинского стиля. Живопись мастеров «сурового стиля» была направлена на восстановление связи времен — ее стилистика апеллировала к наследию русских сезаннистов («Бубновый валет») и раннему советскому модернизму (ОСТ). Тем не менее в картинах художников оставался тихий идеологический фон —  он делал произведения «сурового стиля» новым ликом социалистической утопии с приглушенной, но неизменно присутствующей эмоциональностью. Как пример — работа Юрия Фролова «Регата». В классический для соцреализма спортивный сюжет, художник вносит нотки чувственности — за счет нежного пастельного колорита.

Лот 79. Юрий Фролов. Регата, 1965

Соцреализм с его идеологической программой и мощной индустрией воспроизводства после распада Советского Союза стал достоянием прошлого. В настоящее время его влияние можно оценивать с точки зрения того весомого вклада, который внесла преподавательская деятельность целого ряда советских мастеров. Одним из таких художников был Константин Максимов, который в 1950-х преподавал в Пекине новое для Китая искусство реалистической масляной живописи. И сейчас, продолжая заложенные им традиции, работают уже ученики его учеников, а сам он остается одним из самых почитаемых русских живописцев.

[1] Бернштейн Б. Заметки о топографии сурового стиля: Москва и Таллин // Искусствознание 1–2. М., 2013. С. 461.

Автор эссе: Ольга Полянская, старший научный сотрудник отдела новейших течений Третьяковской галереи

VLADEY RUSSIA

4 июля, 20:00

Каталог и регистрация