​​Искусство спасает планету: экологическое измерение творчества

В четверг 27 апреля двое экоактивистов расписали краской защитное стекло скульптуры Эдгара Дега «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица». Протестная акция в Национальной галерее искусства в Вашингтоне была направлена на привлечение внимания к климатическим изменениям. В последнее время активисты все чаще нападают на произведения искусства — мы уже рассказывали об акциях групп Just Stop Oil и Extinction Rebellion в переводе статьи BAER FAXT. Участники подобных объединений ставят под сомнение ценность и функции изобразительного искусства, критикуя его за равнодушие к проблемам окружающей среды.

Активисты в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Источник: ARTnews

При этом сами художники уже давно работают с экологической повесткой. Они чутко реагируют на глобальные изменения, привлекая с помощью искусства внимание общественности и к вопросам загрязнения, кризису энергоресурсов и другим эко-проблемам. В преддверии торгов ВСЁ ПО 100, рассказываем о работах, выстроенных вокруг этой темы. 

Экоарт: с древности и до наших дней

Экоарт как направление в искусстве, в котором художник обращается к теме взаимоотношений человека и природы, зародился еще во время неолита. К этому периоду относятся наскальные рисунки, через которые первобытные люди исследовали окружающий их мир. Сегодня экоарт включает в себя энвайронмент (осмысление экологических проблем через искусство), земляные работы, лэнд-арт (создание произведений, связанных с природным ландшафтом), устойчивое (sustainable) искусство, пейзажную живопись и фотографию. Наиболее активное развитие такой художественной практики как экологическое искусство началось в конце 1960-х годов. Переломным для экоарта стал 1969 год, когда галерея Джона Гибсона в Нью-Йорке открыла первую выставку, связанную с эко-повесткой — «Экологическое искусство», в экспозиции которой были представлены живописные работы, фотографии и скульптуры Уилла Инсли, Класа Олденбурга, Кристо, Питера Хатчинсона, Денниса Оппенгейма, Роберта Морриса.

В тот же год Бетти Бомонт задокументировала ликвидацию последствий самого сильного разлива нефти в океан у побережья Санта-Барбары. Художница создала серию черно-белых фотографий, которые наглядно проиллюстрировали, как из-за использования шлангов с высоким давлением разрушается прибрежная экосистема.

Фото: Бетти Бомонт, 1969

Со временем экологическая повестка стала занимать все больше пространства в творчестве художников. Сформировалось такое направление как лэнд-арт, предполагающее работу с натуральными материалами, включая почву, камни, растительность и воду. Чаще всего художники этого направления создавали работы в местах, удаленных от населенных пунктов. Яркий пример ленд-арта — инсталляция «Спиральная дамба». В 1970-м году ее создал американский художник Роберт Смитсон около нефтяного месторождения на берегу Большого Соленого озера в штате Юта. Он поместил выполненную из базальта «Спиральную дамбу» на участок, в котором озерная вода была красного цвета. Таким образом художник хотел привлечь внимание к озеру, которое тоже является живым и может пострадать вследствие размещения нефтяной скважины неподалеку.

«Спиральная дамба» Роберта Смитсона, штат Юта, США. Фото: Wikipedia

Однако в конце 1970-х годов художники начали создавать свои произведения и в черте города. Например, в 1978 году Алан Сонфист произвел высадку деревьев в центре острова Манхэттен в рамках своего проекта Time Landscape, а в 1982 году Агнес Денес выростила неподалеку пшеничное поле в рамках проекта «Пшеничное поле — противостояние». Работы художников напомнили городским жителям о том, как выглядел Нью-Йорк до застройки.

Слева: проект Time Landscape Алана Сонфиста. Фото: Wikipedia. Справа: проект Агнес Денес «Пшеничное поле — противостояние». Фото: Thred

Привлечение внимания к экологической повестке неразрывно связано и с творчеством Йозефа Бойса. В 1982 году в рамках международной арт-выставки Documenta он представил масштабный проект «Семь тысяч дубов». Художник привез к зданию музея Касселя 7000 базальтовых блоков и выдвинул условие, что убрать один блок можно, только посадив один дуб.

Йосеф Бойс, проект «Семь тысяч дубов», 1982. Фото: Dia Art Foundation

Целью проекта Бойса «Семь тысяч дубов» было высадить деревья через всю Европу — от Германии до России. Автор надеялся, что другие страны тоже подхватят идею и впоследствии это станет массовым движением по озеленению. В рамках проекта художник ездил по городам и агитировал местных жителей высаживать деревья. Акция была закончена уже после смерти Бойса.

Йосеф Бойс. Проект «Семь тысяч дубов», 1982. Фото: Dia Art Foundation

Переработка

Переработка — одна из главных тем современной экологической повестки. В разных странах по всему миру ученые и активисты стремятся создать возможности для уменьшения количества загрязнений на планете. Производства по переработке материалов, дизайнерские проекты по созданию вещей из ненужных материалов — все это помогает сократить количество мусора. Для художников же переработка открывает не только дополнительные возможности помощи планете, но и новые концептуальные стратегии и темы.

CopenHill — одно из самых экологичных предприятий по переработке мусора и энергии. Копенгаген, Дания. Источник: interior

Впервые подобные элементы появились еще в искусстве авангарда —  в ready-made произведениях и коллажах. И, хотя эти методы и техники еще не концептуализировались в рамках экологической повестки, впоследствии они позволили художникам расширить возможности их практики. Так сформировалось отдельное направление эко-арта — sustainable или устойчивое искусство. В его основе лежит бережное отношение к окружающей среде и, в том числе, создание произведений согласно методам recycling (переработка отходов потребления в сырье для последующего создания новых вещей) и upcycling (апгрейд ранее бывших в употреблении предметов).

Работа с найденными объектами — одна из магистральный линий в творчестве Дмитрия Шабалина. Художник создает свои фирменные объекты-маски, собирая их как замысловатый пазл из маленьких предметов, чей бытовой срок использования часто недолог. Художник превращает в артефакты предметы, ставшие ненужными в результате гиперпотребления. Игрушка, забытая еще в далеком детстве, камушек, сломанное украшение, выкинутая за ненадобностью — эти детали повседневности в произведениях Шабалина мерцают между реальностью и фантастикой. При взгляде на работу с отдаления, они превращаются в яркие футуристические элементы, чей исторический контекст размывается за счет композиции — маска напоминает галактику, в которой каждая из звезд формирует структуру, сливаясь в общем скоплении света. При этом, сфокусировавшись на деталях произведений каждый из предметов становится своеобразным «сгустком коллективной памяти».

Лот 1. Дмитрий Шабалин. Без названия, 2023

К вторичному использованию предметов прибегает в своей творческой практике и арт-дуэт Серафимы Щедриной и Сергея Соколова OTKYDACMEX. В качестве основы для работы «Портрет Ивана Сотникова Младшего» художники используют фрагмент деревянного настила, на который в примитивистской манере наносят изображение. Создавая произведение в рамках методов upcycling, OTKYDACMEX полноценно осмысляют и историю вещи. Как рассказывают сами художники: «В работе “Портрет Ивана Сотникова Младшего” соединяются история искусства, наследие и “бродячие доски” с улиц Петербурга. Городская среда здесь использована в качестве холста, материалы, найденные на улицах, придают работе особую энергию и жизненность, так как несут в себе историю и дух города».

Лот 26. OTKYDACMEX. Портрет Ивана Сотникова Младшего, 2021

Критика индустриального

Тенденция на освещение экологической повестки и критику индустриального сохраняется в современном искусстве и сегодня, в частности — в российском. Большие города, так называемые бетонные джунгли нередко становились предметом критики художников. Антон Куприянов предпочитает работать с «сюжетами малого города». Он изображает городские окраины, уютные пространства, которые человек чаще всего не замечает в каждодневной суете. Последнее время в работах Куприянова все чаще заметен мотив дороги, символизирующий выезд за пределы города и движение к чему-либо новому и неизведанному. Художник все чаще изображает мелькающие вдоль дороги российские пейзажи, которые позволяют ощутить естественность природы, еще не тронутой рукой человека.

В работе «Недалеко от большого города» художник обращается к природным образам, которые противопоставляет индустриальному пейзажу. «Этот вид может быть во взгляде путника, ждущего автобус, или мимолетным пейзажем из окна авто», — говорит Куприянов. Разделяя полотно на две части, он помещает в нижнюю золотые стога сена, вызывающие ассоциации с картинами Клода Моне. Однако гармонию разбивают помещенные в верхнюю часть холста массивные трубы заводов, из которых сочатся клубы дыма. Противопоставление естественного и искусственного является своего рода критикой огромных мегаполисов, в которых производственные объекты не просто вредят природе, а всячески способствуют ее вытеснению из городских пространств и делают ее просто ресурсом для удовлетворения потребностей современного человека.

Лот 31. Антон Куприянов. Недалеко от большого города, 2022

Критику индустриального можно увидеть и в работах арт-группы Курил Что. В основе творческого метода художников — ирония и абсурд, которые они используют, работая с темами российской действительности, потребления и экологии. В работе «Бурение» Курил Что маслом пишут пейзаж с фотообоев, поверх которого размещают текст уличной рекламы, выполненный шрифтом из Stories. 

«Пейзажи — это то, чем мы привыкли наслаждаться, но в нашей российской действительности сложно найти реально чистый пейзаж, потому что все пространство пестрит наклеенными объявлениями, рекламой, каждый угол пытается продать тебе какие-то услуги типа сварка/аргон, когда ты понятия не имеешь даже, что это такое. Едешь на машине по Ленобласти по лесной дороге, и каждый столб или дерево с объявлением — бетон/арматура, фундамент, работа, отдых и прочие услуги», — рассказывают художники об идее проекта.

Лот 6. Курил Что. Бурение, 2020

Природа как источник вдохновения  

Пейзаж зародился еще в Древнем Китае, но как самостоятельный жанр он оформился только в XVII веке на полотнах голландских мастеров. Пейзажная живопись традиционно воссоздает изображения природы той или иной местности. Подобные произведения зачастую несут в себе не только метафорическое отражение реальности, но и восхищение красотой природы и преклонение перед ней.

Дарья Барыбина работает в традиционной технике, полагая, что живопись активнее адаптируется к стремительным изменениям современной реальности. Природные мотивы можно увидеть практически в каждом произведении художницы. Они то предстают в образе полевого цветка, помещенного в вазу, то реализуются в изображении леса, который только просыпается после затяжной зимы. В представленной на торгах работе — небольшой парк во время тихого часа. «Разрисованная цветными мелками лестница задает летнее настроение, майская зелень бушует всеми оттенками зелени», — так описывает произведение Барыбина.

Лот 20. Дарья Барыбина. В парке из серии «Будни», 2020

Любование природой можно увидеть и в работах Алексея Ланцева. Создавая живопись легкими штрихами ярких цветов, художник также применяет изящные композиционные решения, которые позволяют с точностью запечатлеть гармоничные природные ландшафты. Яркий пример искусства Алексея Ланцева — картина «Весеннее поле». Художник обращается к сюжету путешествия на автомобиле из Москвы на юг страны. «Это удивительная, живописная смена климатических поясов и интересный опыт в дороге», — отмечает Ланцев. Нанося на холст пигменты оттенков натуральной земли, он изображает весеннее поле, которое просыпается после долгой зимы. Схематично намеченная линия горизонта буквально разбивает живописное пространство холста на две части. В верхней — чистое голубое небо с белыми облаками, а в нижней — возрождающаяся природа.

Лот 32. Алексей Ланцев. Весеннее поле, 2023

ВСЁ ПО 100

6 мая, 15:00

Каталог и регистрация