Это надо коллекционировать! Пять ответов на вопрос ПОЧЕМУ

На что обращать внимание перед покупкой работы современного искусства? Имеет значение многое: и выставочная история, и медиум, и вклад художника в историю искусства. Разбираемся на примере произведений с аукциона VLADEY 20+20.

Техника

Современное искусство активно распространяется за пределы традиционных медиумов. Since-art, ready-made, видео и даже компьютерные игры — все это используют художники, создавая свои высказывания в поле искусства. Одним из тех, кто в совершенстве овладел мультидисциплинарным подходом, был Владислав Мамышев-Монро. Он много работал как с живописью и графикой, так и с коллажем. Представленный на торгах альбом является уникальным артефактом, несущим в себе зачатки тех художественных стратегий, из которых впоследствии формируется фирменный стиль художника: коллажность, работа с фотографией и мистификации. Этот самодельный альбом 1990 года, соединивший листы с вырезками из газет и журналов, а также надписи и фото самого Монро, был создан в единственном экземпляре и подарен Густаву, так называли художника и барабанщика группы «Кино» Георгия Гурьянова. Альбом находился в собственности Густава вплоть до его смерти в 2013 году. Художники познакомились друг с другом в конце 1980-х. Дружба Гурьянова с Мамышевым-Монро приводит к созданию совместных творческих проектов, в частности — экспериментального видеожурнала «Пиратское телевидение», который становится одним из первых в современном российском искусстве проекте в жанре видеоарта, а в художественной среде благодаря нему закрепляется имя — Влад Монро. 

Альбом «Густаву» примечателен тем, что в нем используются, ставшие в дальнейшем фирменными, яркая колористика и эротизм. Художник создает спекулятивную историю Павла Поповича — одного из пионеров освоения космоса. Мамышев-Монро заклеивает имя возлюбленной Поповича: «Девушка назвалась Андрияном Николаевым, она работала на заводе инженером-конструктором и училась в аэроклубе. Молодые люди понравились друг другу». В 1962 году Андриян Николаев и Павел Попович осуществили первый групповой космический полет на кораблях «Восток-3» и «Восток-4». Впервые в истории оба космонавта смогли отделиться от кресел на борту кораблей и побывать в условиях невесомости. Это красивое героическое событие Мамышев-Монро преподносит как сюжет о любви, который иллюстрирует снимками из журналов и дополняет вырезанной подписью «Друзья-космонавты А. Г. Николаев и П. Р. Попович».

Лот 22. Владислав Мамышев-Монро. Альбом «Густаву», 1990

Владислав Мамышев-Монро знаменит и своими мастерскими перевоплощениями в различных героев, вошедших в отечественную и зарубежную историю. Это были перформативные высказывания — еще один любимый медиум художника, в которых он метко критиковал и иронично осмыслял как актуальные события, так и вечные философские вопросы.

Главным образом художника стала американская актриса Мэрилин Монро. Первые перевоплощения Мамышев-Монро опробовал еще в армии. Художник так вспоминает о тех событиях: «В 1987 году меня забрали служить в армию. <...> Но даже на космодроме Байконур, преград я не находил. И вот субъективизм мой созрел до того, чтобы поместить в себя Мэрилин Монро. <...> Не откладывая дело в долгий ящик, солдат Мамышев <...> воспроизводит на себе этот неповторимый образ. Я — Мэрилин Монро! Рядом приятель фотограф, мы делаем несколько снимков, вскоре снимки находит замполит Клочков. Толстый томик моего нового “Дела” <...> перекочевывает в психиатрическое отделение госпиталя, откуда меня уже врачи отправляют домой».

В следующий раз Владислав перевоплотился в Монро уже на выступлении группы «Поп-Механика». После этого образ Мэрилин стал одним из ключевых лейтмотивов искусства художника. Она была его alter ego — многоликой фигурой с особой трагикой и романтикой. Помимо перевоплощений в образ самой актрисы, Мамышев-Монро обращал внимание и на уже существующие в современном искусстве посвящения Мэрилин. Так, в представленной на торгах работе «Монро Уорхола Монро» он берет за основу серию шелкографий Энди Уорхола 1960-х годов. Художник соединяет главный лейтмотив своего творчества — перевоплощение в alter-ego — и идею тиражного искусства, появившуюся с поп-артом, одним из ярчайших представителей которого как раз был Уорхол. Интересно также и то, что Мамышев-Монро, примеряя на себя образ актрисы с произведения американского поп-артиста, воссоздает оттенки шелкографии с помощью грима, по консистенции напоминающего масляные краски. За счет подобного сочетания разных приемов не сразу угадывается то, как именно была создана работа. «Монро Уорхола Монро» — квинтэссенция фирменного перевоплощения самого художника. Отсылки к масляной живописи как традиционному медиуму, а также формат фотографии и тиража — одни из ключевых приемов современного искусства. Подобный оригинальный мультидисциплинарный подход сделал Мамышева-Монро одним из ярчайших представителей отечественной арт-сцены 1990–2000-х годов. Произведения, в которых художник перевоплощается в Мэрилин или делает отсылки к ее образу, сегодня представлены в коллекциях Третьяковской галереи и Русского музея.

Слева: Лот 24. Владислав Мамышев-Монро. Монро Уорхола Монро, 2005.
Справа: Энди Уорхол. Shot Sage Blue Marilyn, 1964. Частная коллекция

Константин Латышев берет от эстетики поп-арта только визуальность рекламного плаката. Стратегия его искусства зародилась еще во времена участия художника в составе арт-группы «Чемпионы мира» (1986–1988), которая пародийно воспроизводила советскую военно-спортивную организацию и присущий ей героический пафос. Группу отличала тотальная ирония по отношению ко всем сферам жизни. В сольном творчестве Латышев продолжает в юмористическо-саркастичной форме критиковать аспекты капитализма. В представленной на торгах работе «Осчастливлю-ка я мир поэмой» художник локально заполняет элементы работы цветом, благодаря чему имитирует полиграфическую печать. Расположенная внизу надпись намекает зрителю на то, что перед ним поэт. Герой картины будто бы сам рекламирует себя, обещая «осчастливить мир» своим произведением. Сочетая меланхоличный образ героя с клишированным и слегка нарциссичным слоганом, Латышев обнажает механизм действия рекламы. Этот прием характерен и для поп-арта, изобличающего принципы и устремления общества потребления. Однако, лишь имитируя полиграфию, Латышев пишет свою работу акрилом по холсту и тем самым переносит визуальные каноны масс-маркета в сферу современного искусства. Именно благодаря такому подходу художник приобрел большую известность и в 2007 году был номинирован на премию Кандинского, а в 2016-м его работы были приобретены в коллекцию Центра Помпиду.

Лот 31. Константин Латышев. Осчастливлю-ка я мир поэмой, 2010

История

Иногда история не только предшествует созданию работы, но и продолжает активно развиваться после того, как произведение закончено, оказывая влияние как на художественную практику автора, так и на всю арт-сцену в целом. Сюжет работы Константина Звездочётова «Динамо. Драка у памятника Пушкина» позднее лег в основу серии «Типы Москвы», созданной художником для 50-й Венецианской биеннале в российском павильоне в 2003 году. Звездочётов помещает в свою фирменную карикатурно-сказочную стилистику элементы реальности: московские пейзажи с Кремлем и памятником Пушкину, а также болельщики Динамо и Спартака в характерных синих и красных цветах. Современная тема драки футбольных фанатов у Звездочётова обретает революционное звучание: в руках одного из героев развевается красный флаг подобно знамени революции, а само место действия — не окрестности стадиона,а центральная площадь — намекает на историческое значение происходящего события. Представляя страну в Венеции, Звездочётов развернул композицию произведения 1992 года на целый диптих и стилизовал ее под журнальную иллюстрацию начала XX века. Масштабная работа в орнаментальной раме экспонировалась в отдельном зале павильона России.

Лот 19. Константин Звездочётов. Динамо. Драка у памятника Пушкина, 1992

История представленной на торгах работы Бориса Орлова уходит корнями еще дальше — в 1980-е года. Тогда художник впервые обращается к сюжету «парадной парсуны», в которой критически осмысляет культурные коды советского государства. Парсуна — традиционный в русском искусстве XVII–XVIII веков жанр парадного портрета, исключительно условный, изображающий не психологию героя, но его социальный статус и историческую значимость. Обычно персонажи таких портретов были увешаны орденами, которые они получили за всю свою жизнь. Для Орлова обилие наград — символ имперской власти, в его мифологии — это всегда победа порядка над хаосом, надежда насадить тотальную иерархию, которая находит свои проявления в знаках и символах власти.

В работе «Парадная парсуна на белом» Орлов фокусируется на груди, украшенной гигантскими орденами. Голова скульптуры крошечная и выглядит предельно абстрактно, а воплощением индивидуальности становятся ордена. Орлов создает свой уникальный метод работы с соц-артом — иронизирует над культурным укладом жизни советской номенклатуры. В дальнейшем произведения из серии парсун вошли в коллекцию Центра Помпиду, а также были представлены на многочисленных выставках как в России, так и за рубежом.

Лот 18. Борис Орлов. Парадная парсуна на белом, 2010

Смысл

Часто художники используют многосоставные концептуальные конструкции, которые вызывают особый интерес у зрителей. Все потому, что их увлекательно разгадывать! Используя иконологический метод анализа, удается определить истинное значение знаков. Решая подобные ребусы, зачастую содержащие дихотомию образов и символов, зритель открывает для себя увлекательный и неизвестный ранее ему мир. Игра с расшифровкой знаков полностью поглощает его. Погрузиться в эту игру можете и вы! 

Предлагаем начать с работы Сергея Браткова. Что удалось запечатлеть художнику в 2022 году? «Лапоть» — скажете вы и будете правы, но это еще не все. Портретный жанр, к которому обращается автор, оставляет свои подсказки, а само название «Как я стал лаптем» указывает на произошедшие с главным героем метаморфозы. Сергей Братков тонко чувствует и подмечает окружающую действительность. Эта черта его творчества корнями уходит в практику харьковской школы фотографии, с которой художник начал свой путь в искусстве. Благодаря старшему брату в 1970-х годах, Сергей Братков попал в альтернативную арт-среду. Ее отличительной чертой была социальная направленность, обращение к «неприглядным» сюжетам окружающей общественной жизни, то есть ко всему тому, что в СССР снимать было запрещено.

После перестройки вектор творчества Браткова смещается с содержания на форму произведения: он расширяет границы жанров искусства, придумывает новаторские способы работы с фотографией, экспериментируя с ее носителями и методами постановки кадра. Подобные фирменные приемы и черты Браткова сохранились и в работе «Как я стал лаптем». Художник создает постановочную портретную фотографию человека, напоминающую «фото на документы» с лаптем вместо лица. Лапоть в этом случае одновременно символизирует обувь народов восточной Европы и Руси, что может быть рефлексией о своем происхождении и идентичности, а также имеет значение простофили или дуралея.

Лот 13. Сергей Братков. Как я стал лаптем, 2022

Сам Сергей Братков отмечает, что его работа иронично «отражает социальную трансформацию, случившуюся за последние годы. Ее культурный горизонт простирается от крестьянских образов Казимира Малевича до защитных масок от коронавируса». Самоирония также не чужда художнику. Исходя из названия, можно предположить, что представленный снимок — автопортрет. Соединение новаторских приемов локальной школы и авторского подхода делают Браткова одним из самых ярких фотографов в мире: в 2004 году его работы были представлены на биеннале Manifesta, а в 2005 и 2007 годах — на Венецианской биеннале.

Продолжить иконологическую игру можно с работами Светы Шуваевой. Художница, получившая образование по специальности «дизайн окружающей среды», уделяет огромное внимание всевозможным знакам, существующим в нашей жизни. Архитектурное прошлое позволяет ей увидеть мир как чертеж, который она может «прочесть». Ее работам свойственны образы, совмещающие функциональность и декоративность.

Так, в работе из серии «Персонажи толпы» художница изображает героев, отвернувшихся от зрителя лицом к пустой стене зеленого цвета. На их спинах изображены знаменитые произведения искусства: от Моны Лизы Леонардо да Винчи до Уорхоловского супа Кэмпбелл. Вокруг изображаемого появляется целое пространство интерпретаций. Что объединяет этих людей? Почему они обращены к нам спиной? Куда они идут? И что ими движет? Благодаря «скоплению» произведений искусства художница не противопоставляет шедевры друг другу, а выстраивает их в один ряд, говоря об их равнозначной ценности. Подобный сюжет также может служить аллегорией расположения картин в музеях мира, где они, подобно персонажам работы, всегда обращены к стене, и лишь их оборот радует глаз.

Лот 11. Света Шуваева. Из серии «Персонажи толпы», 2015  

Концепция

Другим важным пунктом при выборе работы является концептуальная методология автора и ее новизна. После деколониального и этнографического поворотов в современном искусстве художники стали чаще обращаться к поиску своей культурной идентичности. Подобная стратегия в последнии годы стала настоящим трендом, соответствующим одному из самых актуальных дискурсов в философском и социокультурном поле — децентрализация и деконолониальность. Подробнее об этом мы писали в нашем материале «Кто мы? Откуда? Куда мы идем?». Одним из приемов работы с такими сюжетами стала трансформация традиционных народных техник и символов в контексте современных художественных практик. 

В 2017 году художник Красил Макар, который, по легенде, работал красильщиком в деревнях Урала, приезжает в Екатеринбург, чтобы перенести традиционную уральскую роспись в контекст современного искусства. В основе композиций художника лежит характерный для уральской народной живописи прием «разживка». Его особенность заключается в том, что на широкую кисть наносится сначала один цвет, а затем на ее край — другой контрастный оттенок. Так при нанесении на поверхность получается плавный колористический переход. Чаще всего используется белая краска, в связи с чем прием обрел второе название — «разбелка», с которым также много работает Красил Макар. В представленной на торгах работе «Энциклопедия дикой травы» художник, применяя «разбелку» сочетает зеленый и белые цвета, выстраивая формы причудливых растений. Природные мотивы являются еще одной характерной для уральского народного искусства чертой. 

Обилие зеленого цвета как в представленной на торгах работе или изображение ягод, как во многих других произведениях автора, — фирменные образы Красил Макара. Однако все эти детали переопределены художником и вынесены за пределы декоративно-прикладной области. Красил Макар создает холсты, объекты, стрит-арт работы и инсталляции в соответствии с контекстом современного искусства. Беря за основу элементы традиционного искусства, он по-новому раскрывает идентичность Урала (часто воспринимаемого как индустриальный центр), а также исследует оставшиеся в тени страницы истории этого региона. Такой способ работы с перекрытием локальной идентичности был высоко оценен представителями отечественной арт-сцены. Так, в 2020 году произведения Красил Макара были представлены в рамках «2-й Триеннале российского современного искусства» в музее «Гараж».

Лот 1. Красил Макар. Энциклопедия дикой травы, 2020

Новым словом в кинетическом искусстве стало творчество Франциско Инфанте-Арана — культового представителя поколения шестидесятников-нонконформистов. В 1960-х годах он переживает особый опыт, который положил начало его концепции, определил путь и судьбу художника — опыт бесконечности. «Вдруг внезапно, как удар молнии, что-то с моим сознанием произошло. А именно: я почувствовал, что мир, меня окружающий — бесконечен — говорит Инфанте — ощущение собственной причастности к бесконечно устроенному миру было подавляющим». С этого момента художник начинает последовательно разворачивать бесконечность в геометрических формах — точке, спирали, круге, квадрате и треугольнике. В работе 1963 года из глубокого голубого цвета появляется объемный многогранник — пирамида, переливающаяся лиловым, темно-синим, серым и даже белым. Получившуюся композицию пронзают лучи голубого и зеленого. Пирамида словно разворачивается из центральной точки, в конце погружаясь в море обволакивающей синевы. «Метафизика адекватнее выражается посредством знакового изображения, чем, например, трехмерной конструкцией» — писал Инфанте, рассказывая о своей художественной философии периода 60-х годов. И действительно, в «Композиции» он буквально «закручивает» плоскости цвета и формы, создавая ими ритм, в котором и обнаруживается метафизическая бесконечность.

Лот 17. Франциско Инфанте-Арана. Композиция, 1963

Искусствоведы и близкие друзья Инфанте Джон Боулт и Николетта Мислер писали, что «не вписывающийся — ключевое слово в оценке синтетической сущности искусства Инфанте». Несмотря на то, что художник постоянно черпает вдохновение из всевозможных течений, манифестов и идей, его искусство нельзя поместить в рамки какой-либо эстетической или исторической классификации. Концепция «бесконечности» Инфанте уникальна!

Материал 

Из чего только не создают произведения современные художники. Не всегда с первого взгляда можно отличить керамику от пластика, графику от живописи, фотографию от коллажа, но есть и другие медиумы, материалы которых остаются загадкой. Так, Дмитрий Шабалин специально ищет в сети игрушки из своего детства и небольшие советские предметы (например, значки), чтобы потом объединить их в одну работу — «рукотворный артефакт». Представленная на торгах маска, имеющая форму головы китайского дракона, состоит из многочисленных пластмассовых и силиконовых игрушек, деревянных шахматных фигур и морских ракушек. В произведениях художника часто можно встретить советские значки, детские заколки, игрушки из киндер сюрпризов, бусы, конструкторы лего и многое другое. Сам Шабалин признается, что «чувствует себя немного археологом», к которому попадают различные предметы.

Занимаясь таким собирательством, художник упорядочивает воспоминания и наделяет находки сакральными свойствами, подобно тому, как это делают дети. Зрителю остается только догадываться об их значении, пытаясь расшифровать все используемые художником предметы. Работа уникальна еще и тем, что вместе с ней покупатель получает также диджитал-версию маски — NFT на блокчейне Tezos. Произведение обладает паспортом, который позволяет определить подлинность путем наведения на него камеры телефона, а также содержит все документы и провенанс. Отвечая запросам времени, Шабалин выходит за рамки привычного материального искусства.

Лот 12. Дмитрий Шабалин. Без названия, 2021

БОНУС: Вопрос читателям. «В коллекцию нельзя на улицу» — куда поставить запятую?

Наш ответ определенно такой: после слова «коллекция», поскольку этих художников точно нельзя упустить. 

Жанна Кадырова — художница, завоевавшая любовь зрителей за пределами постсоветских стран, создает удивительные объекты из цемента, облицовочного камня и керамической плитки. Начиная с 2000-х ее работы стали экспонироваться в музеях и галереях, однако ближе к 2010-м художница начала размещать свои объекты в городской среде, тем самым выйдя в медиум паблик-арта. В представленной работе Кадырова создала земной шар, состоящий из мелких разноцветных деталей. Их границы обозначают территории континентов, стран, а также природных регионов вроде горных хребтов или крупных озер. На первый взгляд композиция из керамических осколков кажется очень хрупкой, однако на деле оказывается, что разрозненные элементы плитки прочно связаны между собой цементом. С работами именно такого формата художница участвовала в Венецианской биеннале в 2019 году: тогда в Арсенале развернулись прилавки ее «Рынка» с керамическими овощами, фруктами и букетами цветов, а в садах Джардини появился «Секонд-хенд» с одеждой из кафельных плиток. В представленной на торгах работе Кадырова соединяет керамику и цемент, чтобы создать метафору нашего мира, который, несмотря на все многообразие, остается единым.

Лот 15. Жанна Кадырова. Глобус, 2006

По-другому дихотомию и единство воспринимает художник Евгений Чес, который, в отличие от Кадыровой, совершил обратный переход: от улицы к галереям. Несмотря на это, он продолжают использовать пространства  холста в качестве куска стены, перенося на них всю технику граффити культуры. В работе Евгения Чеса «Хороший день» автор изобразил классическое граффити. Он пишет композицию, стилизуя ее под работу, долго существовавшую на стенах города. Внимание привлекают буквы, которые по словам автора «трансформируются на протяжении всей жизни и являются узнаваемыми элементами творчества, как тень, сопровождающая творческий путь от истоков». Несмотря на то, что распознать в этих формах конкретные знаки сможет человек, обладающий знаниями «диалога улиц», мы предлагаем вам попытаться расшифровать это послание. Уверены, интерпретации будут самыми удивительными, поскольку работа отражает внутреннее состояние и настроение художника! 

Лот 35. Евгений Чес. Хороший день, 2022

Нет никаких сомнений в необходимости коллекционировать современных отечественных авторов. Их искусство самобытно, актуально и признано как в России, так и за рубежом. Ну а ответ на вопрос «где покупать такое искусство» вы уже знаете: VLADEY 20+20, в эту субботу в 15:00.

---

 

VLADEY 20+20

Аукцион 14 мая в 15:00

Принять участие